Teatro Jovellanos

17:30h WE’RE ALL GOING TO THE WORLD’S FAIR (Mejor Película Jurado Joven)

Entrada 4€ (no son válidos bono, pase ni acreditación del Festival)

20:00h RIEN À FOUTRE (Mejor Película Retueyos)

Entrada 4€ (no son válidos bono, pase ni acreditación del Festival)

Las entradas para estas dos sesiones se ponen hoy a la venta a las 13:30 horas en la taquilla del Teatro Jovellanos y en www.ficx.tv.

Ocine

12:00h | UNA PELÍCULA DE PAREJAS (Mejor Película Española)

Pase extra mañana domingo 28 a las 12:00h en Ocine Premium Los Fresnos, Sala 3. Entrada gratuita hasta completar aforo (retirada de entradas solo en taquilla de Ocine)

SESIONES DE HOY DE PELÍCULAS DEL PALMARÉS:

POULET FRITES (Premio al Mejor Actor para Jean-Michel Lemoine)

Último pase en sala en CINES YELMO Y9 SUNDANCE TV | 17:00h

Disponible en FILMIN desde hoy a las 22:30h y hasta el 29 de noviembre a las 22:30h.

PALESTRA (Premio FIPRESCI al Mejor Largometraje de la Selección Oficial Tierres en Trance)

Último pase en sala en CINES YELMO 11 | 19:15h

Disponible en FILMIN desde hoy a las 22:00h y hasta el 29 de noviembre a las 22:00h.

LA FRACTURE (Premio del Público)

Último pase en sala hoy en CINES YELMO 9 | 22:00h

CAPTAIN VOLKONOGOV ESCAPED (Premio CIMA al Mejor Largometraje dirigido por una mujer)

Último pase en sala hoy en CINES YELMO 11 | 22:00H

El Jurado Internacional de la Competición Retueyos de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, integrado por Astrid Adverbe, Fon Cortizo e Isabel Orellana ha concedido los siguientes premios a los largometrajes participantes en la Selección Oficial – Competición Retueyos:

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE

Rien à foutre de Emmanuel Marre y Julie Lecoustre

(Bélgica, Francia, 2021)

“Por mostrarnos una realidad precarizada fundamentada en las apariencias, en la que se nos despoja de todo, y donde progresivamente se revelan la realidad íntima y la soledad de la protagonista. Una película que nos devuelve a las personas detrás de compañías deshumanizadas”.

PREMIO AISGE A LA MEJOR ACTRIZ

Anastasia Budiashkina por Olga

(Suiza, Francia, Ucrania, 2021)

“Por una interpretación delicada y conmovedora capaz de mostrarnos su lucha interior entre la pasión y el tormento”.

PREMIO AISGE AL MEJOR ACTOR

Jean-Michel Lemoine por Poulet Frites

(Francia, Bélgica, 2021)

“Por su generosidad y obstinación, sin ocultar sus dudas, impertinencia o sentido del humor. El personaje demuestra que es posible abordar el trabajo policial con humanidad, respeto y sin abusos de poder”.

PREMIO A LA DISTRIBUCIÓN

Neptune Frost de Saul Williams y Anisia Uzeyman 

(Estados Unidos, Ruanda, 2021)

“Por acercarnos a un nuevo lenguaje de rebelión, utilizando elementos culturales propios para mostrar una estética futurista de resistencia a las imposiciones de género, el neocolonialismo, a las narrativas clásicas y al sistema de control generado por las nuevas tecnologías”.

El Jurado Internacional de la Competición Albar de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por Pilar Castro, Cíntia Gil y María Pérez Sanz ha concedido los siguientes premios a los largometrajes participantes en la Selección Oficial – Competición Albar:

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE

Hygiène sociale de Denis Côté

(Canadá, 2021)

“En un tiempo en el que se cuestionan los espacios de libertad social, personal y artística valoramos la singularidad de esta película y su visión sobre nuestro pasado, presente y futuro. Este Casanova y las mujeres fuertes y contradictorias que le rodean componen un cuerpo verdaderamente cinematográfico lleno de inteligencia y humor”.

El Jurado otorga, además, Mención Especial

 Întregalde de Radu Muntean

 (Rumanía, 2021)

“El Jurado ha decidido otorgar una mención especial a una película que juega con la imaginación colectiva, construyendo un thriller psicológico con los mínimos elementos. Destacamos la profundidad que aporta el gran trabajo de los actores y actrices, haciendo que afloren los fantasmas de este lugar”.

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

In Front of Your Face por Hong Sang-soo

(Rep. De Corea, 2021)

“El Premio Especial del Jurado es para la bella crónica de un día cualquiera en la vida de una mujer madura, que poco a poco va abriendo capas que nos confrontan con la fragilidad y la contradicción humana”.

PREMIO A LA DISTRIBUCIÓN

The First 54 Years. An Abbreviated Manual for Military Occupation

de Avi Mograbi

(Francia, Finlandia, Israel, Alemania, 2021)

“Por el valor político de esta película, que lucha contra el silenciamiento histórico de uno de los conflictos más injusto y relevante de nuestro tiempo”.

El Jurado FIPRESCI de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, integrado por Mariona Borrull, Salvatore Marfella y Nick Pinkerton ha concedido los siguientes premios a los largometrajes participantes en la Selección Oficial – Competición Tierres en Trance:

PREMIO FIPRESCI AL MEJOR LARGOMETRAJE

Palestra de Basovih Marinaro y Sofía Jallinsky

(Argentina, 2021)

“Porque baraja sus limitaciones con una inteligencia implacable, si bien libre de todo alarde. A la vez, porque su desenfado punki esconde un agudo ensayo sobre violencias de la masculinidad aliada, una tentativa que se sostiene sobre un elenco en estado de gracia. Pero, sobre todo, porque se yergue como una película absolutamente memorable”.

PREMIO FIPRESCI A LA MEJOR DIRECCIÓN

María Álvarez por Las cercanas

(Argentina, 2021)

“El premio para la mejor dirección va para una película que ha asumido riesgos importantes con los temas que trata, pareciendo incluso a veces estar sobrepasando límites y las decisiones que se toman, a pesar de no ser cómodas en ocasiones, son decisiones fuertes.

El premio va para una película que concede un espacio significativo a los asuntos que trata, una película que no se impacienta cuando los temas se repiten, porque reconoce que, en realidad, no existe tal repetición, pues lo mismo puede ser dicho una y otra vez con diferentes resonancias en cada ocasión”.

El Jurado Internacional de Cortometrajes de la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Carolina Astudillo Muñoz, Amaia Serrulla y Anne Gaschütz ha decidido otorgar el siguiente premio a la película de la Selección Oficial – Competición Cortometrajes:

PREMIO PRINCIPADO DE ASTURIAS AL MEJOR CORTOMETRAJE

Train Again de Peter Tscherkassky

(Austria, 2021)

“Por su excepcional trabajo visual y sonoro con metraje encontrado que logra crear diferentes atmósferas oníricas en un juego de miradas entre trenes y rostros, que se traducen en un viaje por la historia del cine y de la humanidad”.

El Jurado otorga, además, Mención Especial

 Otacustas de Mercedes Gaviria

 (Argentina, Colombia, 2020)

“Por su sensibilidad y mirada a la hora de abordar su historia y la de su país”.

El Jurado Joven de la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, formado por Elena del Frade Abad, Martín Feito Roces, Martín Fernández Suárez, Antón González Fernandez, Maya Gutiérrez Mori, Elena Juanmartí, Lena Lackmann, Claire Manon, Tarik Rahim, Daniel Esteban Ruíz Fuentes y Diana Zalacaín Cebollero, ha otorgado los siguientes premios:

PREMIO DEL JURADO JOVEN AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SELECCIÓN OFICIAL-COMPETICIÓN RETUEYOS

We’re All Going to the World’s Fair de Jane Schoenbrun

(Estados Unidos, 2021)

PREMIO DEL JURADO JOVEN AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SELECCIÓN OFICIAL

Bato Nebo de Luzia Johow

(Austria, Georgia, 2021)

El Jurado de Cine Español integrado por Manuel Asín, Irati Crespo y Marcos M. Merino ha concedido los siguientes premios:

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE ESPAÑOL de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón

Una película sobre parejas de Natalia Cabral y Oriol Estrada

(República Dominicana, 2021)

PREMIO RCSERVICE AL DIRECTOR Y/O DIRECTORA DE LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA

Natalia Cabral y Oriol Estrada por Una película sobre parejas

(República Dominicana, 2021)

PREMIO ALMA AL MEJOR GUION DE PELÍCULA ESPAÑOLA

Una película sobre parejas de Natalia Cabral y Oriol Estrada

(República Dominicana, 2021)

PREMIO DCP DELUXE AL MEJOR DIRECTOR DE LARGOMETRAJE ESPAÑOL

Joan Tisminetzky por D’Ombres

(España, 2021)

“Hemos decidido premiar dos películas que consideramos unidas por un diálogo intergeneracional en torno a la posibilidad de una artesanía honesta, y una consideración en ambos casos luminosa de la vitalidad del cine.

El Premio DCP Deluxe es para una obra que logra expresar algo aparentemente simple pero misterioso: que la luz juega un papel esencial en la aventura colectiva e individual, y que el cine es un instrumento de comprensión del presente: D’ombres de Juan Tisminetzky.

Los premios ALMA al mejor guion, y el premio al mejor largometraje español, son para una obra transparente sobre lo que conlleva el cine como forma de vida y de relación: Una película sobre parejas de Natalia Cabral y Oriol Estrada”.

El jurado integrado por Guadalupe Balager Trelles, Lola Beccaria y Susana Guardiola ha concedido el PREMIO CIMA AL MEJOR LARGOMETRAJE DIRIGIDO POR UNA MUJER:

Captain Volkonogov Escaped de Natasha Merkulova y Aleksey Chupov

(Rusia, Estonia, Francia, 2021)

“Apostamos por mujeres que se atreven a pensar en proyectos ambiciosos y los llevan a cabo con enorme talento. Un tema que visto desde la mirada de una mujer cambia radicalmente el discurso. Una parábola posmoderna sobre un maltratador que se da cuenta de que tiene alma y decide salir del círculo de la violencia. Un thriller místico donde nos preguntamos si es posible el perdón”.

El Jurado formado por Ana Suárez, Diego Llorente y Francisco González Orejasha concedido los siguientes premios, patrocinados por RTPA:

PREMIO RTPA AL MEJOR LARGOMETRAJE ASTURIANO

Shooting for Mirza de Juan Gautier

(España, Bosnia y Herzegovina, 2021)

«Por analizar la construcción de un mito deportivo desde un enfoque de derechos humanos y de su relación familiar».

PREMIU RTPA DE LA COMPETICIÓN ASTURIES CURTIUMETRAXES

Epokhe de Elmer Guevara

(España, 2021)

«Por su visión personal y transgresora de un segmento de la juventud en conflicto con su propia tiempo».

MENCIÓN ESPECIAL RTPA DE LA COMPETICIÓN ASTURIES CURTIUMETRAXES

Nyami Nyami de David Rodríguez

(España, 2021)

Laboral Cinemateca ha concedido el premio de distribución LABORAL CINEMATECA CORTOS al siguiente cortometraje:

Manual de la siega de Samuel Fernandi

(España, 2021)

El Jurado integrado por los miembros de la asociación XEGA Yosune Álvarez, Patt Picón, Francisco Borrego y Borja Ibaseta ha concedido el PREMIO “RAMBAL” a:

Moneyboys de C.B. Yi

(Austria, Francia, Taiwán, Bélgica, 2021)

“Por ser capaz de mostrar la realidad del colectivo LGTBI en un país tan lejano como China no difiere tanto de nuestra propia experiencia y realidad; el personaje principal, cuya experiencia que nos recuerda mucho a la de nuestros mayores, pone por delante las necesidades de su propia familia a las suyas propias llegando a negarse a sí mismo abrirse al afecto y a los cuidados de su propia orientación e identidad.

La película consigue además reflejar de una forma magnífica y brutal las diferencias entre el pueblo y la ciudad, lo nuevo y lo viejo y la lucha por el progreso social y económico en una sociedad fundamentalmente injusta en la que el colectivo LGTBI carece de derechos y salvo muy raras excepciones como es esta película, es incapaz de verse reflejada en la gran pantalla porque la censura del gobierno chino prohíbe este tipo de contenidos en TV, cine y redes sociales”.

El Jurado otorga, además, Mención Especial

 La Fracture de Catherine Corsini

 (Francia, 2021)

“Por realizar una película de contenido social totalmente vigente y necesario que aúna problemáticas que nos preocupan a todas: la soledad, la subsistencia, la libertad de expresión y manifestación, la violencia o el continuo y paulatino recorte de los servicios públicos a favor de los intereses privados. Todo ello con un toque de humor absolutamente necesario en el que la pareja de mujeres lesbianas no solo están perfectamente integradas en la sociedad sino que son una parte más de la historia normalizando así la realidad e identidad lésbica”.

Los jóvenes espectadores de la sección Enfants Terribles por medio de sus votaciones, han otorgado el siguiente premio:

PREMIO ENFANTS TERRIBLES AL MEJOR LARGOMETRAJE

La estrella de los simios de Linda Hambäc

(Noruega, Suecia, Dinamarca, 2021)

El público de la 59 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón ha concedido los siguientes premios:

PREMIO DEL PÚBLICO (Audience Award):

La Fracture de Catherine Corsini

(Francia, 2021)

PREMIO DEL PÚBLICO DE LA COMPETICIÓN TIERRES EN TRANCE A LA DISTRIBUCIÓN

Welcome to ma maison de Andrés Goteira

(España, 2021)

PREMIO EUROPA JOVEN A LA MEJOR DIRECCIÓN DE LARGOMETRAJE EUROPEO

Ninjababy de Yngvild Sve Flikke

(Noruega, 2021)

El Premio “PROYECTO CORTO MOVISTAR + – PECERA ESTUDIO – FREE YOUR MIND 2021” es para el proyecto titulado:

El pensamiento mágico presentado por Raquel Pedreira y dirigido por

Eva Saiz

El Premio NUEVOS REALIZADORES DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS formado por Carolina Sarmiento, Diego Llorente, Clara Sierra y Alejandro Díaz Castaño, y patrocinado por el Gobierno del Principado de Asturias, ha concedido los siguientes premios a los proyectos:

Campolivar de Alicia Moncholí

El Premio NUEVOS REALIZADORES CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO es para:

Un verano sin pájaros de Celia Viada Caso

El Jurado de la sesión PUSH PLAY WORK-IN-PROGRESS de FICX PRO, formado por Roger Koza, Michael Zam y Dimitris Kerkinos ha concedido los siguientes premios:

PREMIO DCP DELUXE Work-in-Progress al proyecto:

Sobre las nubes dirigido por María Aparicio y producido por Pablo Ratto (Trivial Media)

“Como suele suceder con cualquier premio de un work in progress, la película se imagina y mejor aún se revela en un plano que puede llegar a glosar su espíritu y su materia. Los pocos minutos vistos de Sobre las nubes fueron suficientes para corroborar en imágenes y sonidos las palabras de la joven cineasta, que expresó su deseo de retratar una ciudad y hacerla protagonista de un relato coral cuyos personajes y derroteros están ligados a la vida laboral. Cualquier plano al azar de Sobre las nubes destila un conocimiento del arte de encuadrar y asimismo el reconocimiento del espacio como categoría estética; de los pocos personajes de las escenas exhibidas se predica la distancia necesaria para prodigarles respeto y un circunspecto cariño. Por estas consideraciones, hemos decidido darle el premio a Sobre las nubes de María Aparicio. Hay en la cineasta una visión del cine y del mundo, hay también una praxis de traducción e impregnación de la visión desplegada en lo que filma”.

PREMIO OpenECAM Work-in-Progress al proyecto:

Puerperio de Pilar Álvarez

“Se presentaron candidaturas muy sólidas y los miembros del jurado deliberaron acaloradamente defendiendo sus posiciones con pasión hasta llegar a la decisión final. El proyecto ganador fue elogiado por la capacidad de la cineasta de compartir -con una tristeza inquebrantable y un humor que se agradece- una experiencia íntima a la que muchas se enfrentan pero de la que muy pocas hablan, la lucha contra la depresión posparto”.

Dentro del programa FICX PRO LAB, el Jurado compuesto por Gloria Benito, Analía G. Alonso y Silvia Cruz, concede el siguiente premio:

PREMIO OpenECAM work-in-progress para:

Hablar de estas cosas de Fernando Lorenzana

 “Por su propuesta basada en la creación colaborativa, sencilla y con objetivos claros que habla de una generación y de la amistad con una mirada femenina”.

ASTURIAS PARAÍSO NATURAL FILM COMMISSION otorga un incentivo para apoyar la realización del proyecto:

                               Cartografías del monte de Samuel Fernandi

“Por su propuesta de convertir el paisaje asturiano en un personaje con identidad propia, que dialoga con las raíces del autor”.

Gijón y su festival suelen estar lejos del oropel de las grandes estrellas del cine. Sin embargo, hoy hemos recibido a una de ellas, Chiara Mastroianni, la cual se ha mostrado absolutamente cordial y cercana en la rueda de prensa previa a la entrega del Premio de Honor FICX21. Sobre el premio ha manifestado que “es un estímulo para seguir mirando hacia adelante en mi carrera como actriz. Nunca miro hacia atrás en mi vida, no se ni cuantas películas he hecho”. 

Respecto a su carrera, preminentemente realizada en Europa, manifestó que “he tenido la suerte de trabajar con grandes cineastas provenientes de todo el mundo”. Trayectoria que fue complicada en su comienzo, ya que “tenía siempre presente las excepcionales carreras de mis padres, las cuales no son representativas de lo que suele ser la trayectoria de un intérprete”. 

Una de las cuestiones que se le hizo fue acerca de su experiencia trabajando con Manoel de Oliveira en La carta (1999) a lo que comentó: “era muy joven y tenía muchas ganas de aprender. Me encontré con que él tenía una manera de trabajar complicada de aceptar, ya que las escenas son como cuadros de gran precisión, realizados mediante planos secuencia muy largos de siete u ocho minutos”. Sin embargo “Una vez que acepté esa situación, el rodaje se convirtió en una experiencia tremendamente provechosa”. 

Sobre Eureka, la película que ha estado rodando en España, comentó que su participación en ella ha sido gracias a Lisandro Alonso (director de la misma), ya que  “era miembro del jurado que me otorgó el premio a la mejor interpretación en el Festival de Cannes. El hecho que después de darme el premio contara conmigo para este proyecto, le ha dado un sentido muy especial al mismo”. Además, recalcó lo estimulante que ha sido trabajar junto a Viggo Mortensen, a quien considera el actor total. 

Ahora mismo la actriz y cantante francesa está inmersa en una obra de teatro por primera vez en su carrera. “Siempre tuve miedo del vértigo que supone el teatro, lo que me hizo rechazar varios papeles. El hecho de que participe Christophe Honoré en el proyecto me hizo dar el paso, a pesar de que es una obra con mucha improvisación por parte de los actores, la cual es retomada por el autor para reescribir la obra”. Finalizó la rueda de prensa resaltando como “la relación con el público es muy superior en el mundo del teatro”. 

El ciclo “A una Coca-Cola de distancia” del 59 FICX finaliza con el encuentro presentado por Ricardo Apilánez con Ana Lambarri, Ángel Santos y Lois Patiño, directores que compiten con sus trabajos en la selección oficial de cortometrajes del festival.

La directora Ana Lambarri presentó su cortometraje 36, Premio Proyecto Corto Movistar+, que cierra su trilogía sobre la violencia sufrida por las mujeres (16; 26) en esta ocasión explorando la incomunicación y el silencio social asociados a la violencia de género. El corto crea una atmósfera tensa a partir de un gran plano secuencia que revela el sufrimiento interno de su protagonista: una mujer que ha sido golpeada instantes antes de celebrar una idílica comida entre amigos en su casa. Lambarri explicó que con la elección de este recurso y con el acercamiento del filme al género del thriller quería “coger al espectador, meterlo dentro de la situación y que no tuviera escapatoria”, algo que ha emocionado al público en las salas e incluso (en sus propias palabras) a ella misma.

Por su parte, el gallego Ángel Santos estrena en el 59 FICX Así vendrá la noche, una película breve centrada en la visión de Andrea, una chica que envía un mensaje de audio a Pablo, su antigua pareja de quien le separa el tiempo, la distancia, el dolor y el rencor. El cortometraje, que funciona a modo de carta larga o novelita del siglo XXI, es “un torrente de palabras en 15 minutos”, un ensayo sobre cómo filmar la voz con el que el director “quería jugar a construir una narración entrelazando palabras y silencios”. Asimismo, Santos ha explicado que Así vendrá la noche servirá como base del largometraje en el que se encuentra trabajando actualmente.

Otro de los principales cineastas del Novo Cine Galego, Lois Patiño, nos acercó a Sycorax, filme en el que, junto a Matías Piñeiro, articula una peculiar y libérrima adaptación de La tempestad de Shakespeare desplazando la acción a las islas Azores, en un tono a medio camino entre lo contemplativo y lo silencioso. Presentado dentro de la Quincena de los Realizadores de Cannes, Sycorax conjuga una mirada poética con una puesta en escena donde los directores fusionan realidad y ficción, mitología e historia, para acercarnos a “las otras” de la historia, en concreto a la bruja Sycorax y al espíritu Ariel. Patiño explicó que su inspiración procedía en parte del ensayo Calibán y la bruja de Silvia Federici y en su interés por explorar cómo la mirada cinematográfica es capaz de teñir la realidad de ficción.

Tras un aplaudido pase de prensa de la película La Fracture (Selección Oficial Albar), la directora Catherine Corsini y la productora Elisabeth Pérez han respondido a algunas cuestiones relacionadas con su trabajo.

La Fracture enfrenta al espectador a la realidad de crisis social en la que está sumergida gran parte de Europa poniendo sobre la mesa el proceso de privatización del sistema de sanidad pública y el movimiento social de protesta de Los chalecos amarillos.

Corsini, reputada directora que cuenta en su haber con más de una veintena de largometrajes, convierte la desesperación y la vulnerabilidad de las personas que ocupan la sala de espera de un hospital de urgencias, en un espacio común de debate donde la necesidad de diálogo social y, sobre todo, de escucha, se hace evidente. «Cuando el 1 de diciembre de 2018 (una de las primeras manifestaciones de Los chalecos amarillos) me encontré en la sala de urgencias de un hospital que estaba desbordado me interesó la idea de reunir lo íntimo y lo colectivo en ese lugar. Me parecía que ese espacio era un terreno de juego muy potente para enfrentar esa diversidad de historias», responde la directora sobre el germen de la idea.

Desamparados en el dolor y necesitados de auxilio están los protagonistas de esta obra coral vertebrada principalmente por tres historias: la de una mujer (Valeria Bruni Tedeschi) que está en crisis en su relación de pareja, la de un camionero que es brutalmente agredido por la policía cuando se manifiesta con Los chalecos amarillos, y la de una sanitaria de una integridad admirable que se esfuerza por hacer bien su trabajo en mitad de un escenario que se vuelve absolutamente apocalíptico. Personas rotas y enfrentadas, embebidas en su propia realidad, acuden al auxilio urgente de un sistema de sanidad público que se muestra casi herido de muerte y que no deja de ser un lugar común en el que, como indica Corsini, «se crea una situación democrática en la que no hay privilegios sino que se prioriza en función de la gravedad».

La directora también señala que para ella era «especialmente importante trabajar con personal sanitario de verdad y que cuando vieran la película, pudiera contar con su aval». En concreto, Aïssatou Diallo Sagna, que interpreta a una de las sanitarias revelándose como una magnífica actriz, ejerce como auxiliar de enfermería en su día a día.

Con esta película, dice Corsini, «queríamos reírnos de nuestros defectos y unir a esta sociedad dividida. La risa es un buen elemento de unión». Las carcajadas que acompañaron la proyección en este pase de La fracture son una buena demostración de que el relato fílmico crítico y socialmente comprometido no tiene por qué estar exento de humor.

Poulet frites (Policías y patatas fritas) es un documental creado a partir de imágenes grabadas en 2002, durante la investigación de un caso de asesinato en Bruselas. Tras el pase de prensa, sus codirectores Yves Hinant y Jean Libon manifestaron que “una vez conseguimos el permiso de las autoridades, no tuvimos ningún límite a la hora de filmar la investigación”. 

“El proyecto parte de una serie de televisión Belga, que empezamos a realizar en 1985 y para el que tratamos más de 800 casos siendo éste uno de los casos que realizamos” comentó Jean Libon. Posteriormente añadió que “Poulet frites se hizo gracias al covid, ya que habíamos firmado un contrato para otra película, pero con el confinamiento nos vimos obligados a tirar de estas grabaciones antiguas y realizar el proyecto por pura diversión”. 

Por su parte Yves Hinant resaltó que “el rodaje se hizo con una única cámara, para así poder acceder a todos los lugares de la investigación” y que “tardamos tres años en conseguir los permisos para rodar las investigaciones. Tras ello, hicimos un casting previo a los policías y la jueza, para comprobar si tenían un perfil cinematográfico”. 

Jean Libon se mostró rotundo al afirmar que todo lo que aparece en la pantalla es real, partiendo de las 100 horas de grabación que registraron y que “no hay ningún tipo de intencionalidad artística en la película. No me preocupan los temas artísticos, me aburren”. 

Si algo quedó claro tras la rueda de prensa es que son dos autores que se complementan perfectamente entre sí, “uno de nosotros rueda y el otro se ocupa de las tareas de montaje” labor ardua, ya que “para esta investigación rodamos 100 horas de metraje”. 

Premios PUSH PLAY

El jurado PUSH PLAY compuesto por Roger Koza, Michael Zam y Dimitris Kerkinos concede el Premio DCP Deluxe Work-in-Progress, consistente en la Masterización DCP, al proyecto Sobre las nubes, dirigido por María Aparicio y producido por Pablo Ratto (Trivial Media).

Como suele suceder con cualquier premio de un work in progress, la película se imagina y mejor aún se revela en un plano que puede llegar a glosar su espíritu y su materia. Los pocos minutos vistos de Sobre las nubes fueron suficientes para corroborar en imágenes y sonidos las palabras de la joven cineasta, que expresó su deseo de retratar una ciudad y hacerla protagonista de un relato coral cuyos personajes y derroteros están ligados a la vida laboral. Cualquier plano al azar de Sobre las nubes destila un conocimiento del arte de encuadrar y asimismo el reconocimiento del espacio como categoría estética; de los pocos personajes de las escenas exhibidas se predica la distancia necesaria para prodigarles respeto y un circunspecto cariño. Por estas consideraciones, hemos decidido darle el premio a Sobre las nubes de María Aparicio. Hay en la cineasta una visión del cine y del mundo, hay también una praxis de traducción e impregnación de la visión desplegada en lo que filma.

Por otro lado, concede el Premio OpenECAM Work-in-Progress, por su capacidad para compartir, con una tristeza inquebrantable y mucho humor una experiencia íntima que muchos enfrentan pero muy pocos discuten, la lucha contra la depresión posparto, al proyecto Puerperio, de Pilar Álvarez, que otorga la posibilidad de utilizar las instalaciones y equipo disponible en la Escuela de Cine de Madrid.

Premios FICXLab

El jurado LAB, compuesto por Gloria Benito, Analía G. Alonso y Silvia Cruz, concede el premio OpenECAM Work-in-Progress que otorga la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid (ECAM) sea, por su propuesta basada en la creación colaborativa, sencilla y con objetivos claros que habla de una generación y de la amistad con una mirada femenina para Hablar de estas cosas del asturiano Fernando Lorenzana.

Asimismo, otorga el Incentivo Asturias Paraíso Natural Film Commission, consistente en 1.000 euros, por su propuesta de convertir el paisaje asturiano en un personaje con identidad propia, que dialoga con las raíces del autor, al proyecto Cartografías del Monte, del asturiano Samuel Fernandi.

Se celebró en el Toma 3 el encuentro A una Coca Cola de distancia con… dedicado a La noche del corto español, con la participación de Alicia Moncholí (No quiero más), las codirectoras Elena Ballvé Martín y Àlex Gantzer Soler (Les altres coses que ens separen) y Verónica Echegui (Tótem Loba). 

Alicia Moncholí comentó que en su corto, No quiero más, grabó los últimos meses de su abuela de 96 años. “Al principio ella estaba bien, pero poco a poco dejó de comer, como reflejo de querer dejar de  estar viva, por no poder moverse”, añadiendo que “rodé seis horas de material para un corto de ocho minutos de duración”. Sobre futuros proyectos contó que “estoy desarrollando otro corto que espero estrenar en 2023 y estoy escribiendo mi primer largometraje”. 

Las codirectoras de Les altres cose que ens separen, Àlex Gantzer Soler y Elena Ballvé Martín contaron el origen de su proyecto, el cual se debió a que “somos un grupo de seis amigas que estábamos sometidas a una gran cantidad de cambios vitales. Un día tuvimos un momento muy íntimo entre nosotras, el cual fue la semilla de este proyecto”. Sobre sus actrices comentaron que “la forma de transmitir la amistad y confianza que se refleja entre los personajes fue gracias al acierto en el casting a la hora de escoger a las tres actrices protagonistas”. 

Por su parte Verónica Echegui comentaba sobre Tótem Loba que quiso «mostrar una mirada feminista sobre actitudes que hemos visto, denunciando la normalización sobre estas actitudes violentas hacia las mujeres” y “el 90% de lo que aparece en el corto me sucedió a mí personalmente cuando tenía la edad del personaje protagonista”. Sobre su futuro comentó que “dirigir es un reto muy complejo, pero me gusta, por lo que espero repetir la experiencia”. 

Tres obras que plantean una mirada femenina a temas muy diferentes, pero de similar importancia y a cuyas autoras tendremos que seguir la pista en el futuro. 

We’re All Going to the World’s Fair, el primer largo de ficción de Jane Schoenbrun, en el que quiso mostrar una parte del universo de internet, “uniendo el inconsciente con la experiencia cinemática lineal”, como expresó le directore y guionista en la rueda de prensa.

La película muestra de forma cruda la soledad, como un problema social acuciante y que no distingue de edades ni clase social. “Para la protagonista internet es una manera de no estar sola, pero cuando apaga el ordenador se siente aún más solitaria, quizás siempre lo ha estado”. Sin embargo, “no intento advertir de los peligros de internet. Quise mostrar tensión y una relación específica con el cine de género”.

Uno de los objetivos del film es “mostrar el espacio mental de una adolescente que se conecta a internet, como forma de mitigar su soledad y cae en las redes de alguien cuyos objetivos no son muy claros”.

Respecto a la relación entre los dos personajes manifestó que “uno de los temas es quién tiene el control, quién tiene la historia en su poder”, por ello “el final es tan ambiguo como el propio internet”.

Uno de los momentos más esperados en el 59FICX llegó el jueves por la mañana con el pase de prensa de Las cercanas, tercer largometraje de la directora argentina María Álvarez, en el que nos cuenta la increíble y emocionante historia real de dos pianistas gemelas nonagenarias.

“El título del documental se refiere, no sólo al vínculo entre ellas, si no a la cercanía con la que tuve que rodar las escenas, debido a lo angosto que era el piso donde vivían” manifestó la directora; añadiendo a continuación que “es parte de una trilogía con mis dos anteriores obras: Las cinéphilas y El tiempo perdido”, habiendo pasado esta última por la 58 edición del FICX.

El origen del proyecto no pudo ser más casual, ya que “estaba preparando una película sobre mi hermana y yo, cuando las vi tomando algo en un local. Otro día me las volví a encontrar (ya que vivían en la misma zona que yo) y decidí hablar con ellas. Ese día comencé este proyecto, que fue tan importante para ellas como para nosotros. No sé si yo las encontré a ellas, o ellas me encontraron a mí”.

Un detalle que María Álvarez no quiso dejar escapar fue que “la película juega continuamente con el concepto de lo bueno y lo malo, tanto en lo referente a su vida juntas, como a las decisiones que tomaron en su momento”, recalcando además sobre esto último que “ellas decidieron sobreponer el arte por encima de casarse y tener hijos, en la década de los 50 en Argentina”. Esto da muestra del carácter feminista y liberal de estas dos mujeres extraordinarias.

También estuvo presente en el acto el productor Tirso Díaz-Jares quien manifestó que “hacemos un cine de guerrilla, con la mínima subvención que otorga el gobierno Argentino. Sin embargo, intentamos hacer una postproducción lo más profesional posible, dentro de nuestros medios”.

Una obra emotiva en grado superlativo, en la que se nos muestran los recuerdos de estas dos mujeres, desde su propia y lejana perspectiva de “una clase social y una época que ya no existe en Argentina”.

Monica Stan y George Chiper-Lillemark directores de Imaculat se presentaron relajados y con ganas de hablar de su ópera prima, en la rueda de prensa posterior a su proyección. Lo primero que hizo Monica Stan fue reconocer que “el guion está basado en mis propias experiencias de juventud, cuando estuve ingresada en un centro de rehabilitación. Así y todo busqué durante mucho tiempo la perspectiva correcta para narrarlo, inclinándome al final por el relato de una niña que se convierte en mujer”.

Por su parte George Chiper-Lillemark alabó el guion escrito por su compañera, que le “me pareció muy potente, con mucha minuciosidad y, a la vez, muy natural”. Respecto al formato de pantalla 4/3 usado en la película comentó que “se usó para centrar el foco en el personaje y las relaciones que tiene con el resto de internos, de forma muy física”. Asimismo, el recurso de seguir constantemente con la cámara a la actriz principal “buscaba el objetivo de identificar al espectador con lo que le sucede al personaje que interpreta”.

Precisamente sobre la actriz principal Ana Dumitrascu se expresó el director de la siguiente manera: “Ana surgió de un casting muy largo en el que buscábamos a alguien que pudiera aparentar tener dieciocho años. Ella es una actriz muy madura, pese a su juventud, y posee mucho control de sus emociones, lo que era perfecto para el papel”. A lo que su compañera añadió “Ana estuvo muy interesada en hablar conmigo en todo momento, para así poder crear al personaje de Daria lo mejor posible”.

Monica Stan definió su película como “una obra muy personal, la cual la realizamos justo tal y como queríamos, centrándonos en la expresión visual y actoral”. Una ópera prima realizada por dos directores con mucho futuro por delante y que se podrá volver a ver el jueves 25 a las 17.00 horas en la Sala 12 de los Cines Yelmo.

Clase magistral, como las que realiza el protagonista de su película, fue la que dieron la directora María Speth y el cámara Reinhold Vorschneider en la rueda de prensa posterior a la proyección de su documental El profesor Bachmann y su clase.

A Dieter Bachmann lo conocemos desde hace años contó María Speth y “fue él quien nos comentó sobre la ciudad en la que trabajaba como profesor. Una ciudad creada por el gobierno Nazi alrededor de una fábrica de munición y que ahora mismo está formada, en su mayor parte, por inmigrantes”.

En un principio “iba a ser la ciudad la gran protagonista del documental, por su origen militar, con sus búnkeres y sus tejados planos camuflados con árboles. Pero estando allí, hablamos con gente de varias generaciones y etnias, lo que llevó a la película que acabamos haciendo”

Por su parte, Reinhold Vorschneider comentó que “éramos un equipo de sólo cuatro personas, con dos cámaras y un técnico de sonido que colocó varios micrófonos ocultos en el aula” y “gracias a pasar mucho tiempo con los niños antes del rodaje, conseguimos que la cámara se hiciera invisible”. Respecto al protagonista de la cinta comentó que “Bachmann no se esconde tras su rol de profesor, si no que su sinceridad contando cosas de su vida personal, hace que los alumnos cojan confianza y se atrevan a contar sus propios problemas en clase”.

Uno de los momentos que más les impactó a ambos fue cuando los niños “se encontraron con el pasado de la ciudad, el cual desconocían, fue algo muy emocionante”. Premiada con el Oso de Plata y el premio del público en la Berlinale, se podrá volver a ver el sábado 27 a las 15.30 en el Paraninfo de la Escuela de Comercio.

Dentro de la Selección Oficial TIerres en Trance se presentó el documental español Un cielo impasible, en el que se recrea de una forma más emocional que descriptiva la batalla de Brunete ocurrida durante la Guerra Civil Española. Tras el pase de prensa su director David Varela manifestó que la película “va a tener continuidad, ya que es parte de un proyecto de mayor tamaño”.

Así mismo, lo que más le emociona del resultado del proyecto es que algunos de los adolescentes protagonistas le han confesado que “la película les ha cambiado la mirada. Ahora cuando pasan cerca de algunos de las construcciones militares, cuyos restos aún son visibles, sienten que éstos les devuelven la mirada e incluso que cobran vida”.

“En un principio, la película iba a ser mucho más descriptiva, con textos que situaran la acción cronológicamente, pero vimos que el resultado era demasiado informativo y, finalmente, le dimos al documental un tono mucho más emocional”.

Uno de los aspectos más llamativos de Un cielo impasible es el uso de multitud de tomas realizadas con drones, a lo que David Varela comentó: “el uso de drones es arriesgado y técnicamente difícil. Inicialmente la película iba a estar rodada íntegramente mediante drones pero, gracias a una toma casual (que aparece en el documental) decidieron incluir en el mismo las conversaciones que los adolescentes tienen entre ellos, lo que le dio un toque diferente a la obra”.

También resaltó que siempre quiso trabajar con chavales de la zona, que tuvieran interés en el proyecto, los cuales “se implicaron tanto de forma personal como ideológica. Hicieron todo lo que les pedimos y mucho más”. Un cielo impasible es un ejemplo de cómo se puede fusionar la perspectiva de tres generaciones diferentes sobre algo tan trágico como la Guerra Civil Española.

Dentro de los encuentros A una Coca Cola de distancia con, se ha celebrado una tertulia con presencia de una parte de los directores españoles de cortometrajes que participan en la Selección Oficial de esta edición: Marine de Contes (Silabario), Lucía Estévez (O niño dos paxaros), Teresa Marcos (Patología mamaria) y Samuel Fernandi (Manual de la siega).

Lo primero que quisieron recalcar los participantes es que “hay que quitar la connotación negativa a los cortometrajes” porque, según comentó Samuel Fernandi, “un corto en sí mismo es una película, cuyo concepto no depende de su duración”. En la misma línea se manifestó Marine de Contes al aseverar que “prefiero hacer una película buena, aunque no tenga la duración convencional, a hacer un largometraje porque sí”

Mucho más directa fue Teresa Marcos quien ya se quitó la espina que tenía de hacer largometrajes y “ahora la duración de mis trabajos depende de su naturaleza, no me obsesiono con volver a hacer un largo”, a lo que Lucía Estévez continuó aseverando que “hay mucha más libertad en el mundo del cortometraje”.

Respecto al tema de los trabajos que presentan en la 59 edición del FICX Lucía Estévez comentó que en este corto “no quise volver a hablar de mí, si no que hablo de mi padre y de la generación de La movida viguesa, mezclando realidad y ficción”. Por su parte Samuel Fernandi quiso mostrar en Manual de la siega “un último registro de este mundo rural asturiano que está a punto de desaparecer”.

Una gran oportunidad para conocer las impresiones de estos creadores, a los que no hay que valorar por la duración de sus obras, si no por la calidad de las mismas.

En su sexto largometraje 18 ½, Dan Mirvish, nos relata un hecho histórico de mucha gravedad, pero contado en un tono de comedia ligeramente absurda y cuyo germen fue tremendamente casual, según comentó el propio director en la rueda de prensa posterior a la proyección.

“Durante un viaje a Nueva York en noviembre de 2016, fui a visitar a Jules Feiffer, guionista de mi anterior film, justo el día que salió elegido presidente Donald Trump. Me acuerdo que comentamos que si habíamos sobrevivido a Nixon, podríamos hacer lo mismo con Trump. Esa analogía entre ambos y el hecho de quedarme a dormir en el motel de un amigo, construido junto a un lago en los años 50 (y que es el principal escenario de la película), me hicieron pensar que se podría hacer una película a partir de todo ello”.

Un detalle curioso de 18 ½ es el paralelismo existente con el cine de Hitchcock, en lo referente a la existencia de un McGuffin, es decir algo que interesa mucho a los personajes y no tanto al público (en este caso la cinta de audio), con la salvedad de que en este caso, al final de la trama, el McGuffin interesa más a los espectadores que a la pareja protagonista.

Una de sus preocupaciones a la hora de planear la película era “crear una ficción especulativa con personajes históricos de fondo” y destacó que “todos los personajes protagonistas son inventados, pero las conversaciones que se oyen en la cinta están interpretadas a partir de audios reales”.

Una de los protagonistas de la película es la música, compuesta de piezas de Bossanova, Funk y música psicodélica y sobre la que Dan Mirvish comentó que “decidimos no usar música de grupos de la época, como los Rolling Stones, lo cual hubiese salido muy caro y se ha usado infinidad de veces. Por ello toda la música que aparece en 18 ½ fue compuesta por Luis Guerra, con quien ya había trabajado en mi anterior largometraje”.

Jonás Trueba volvió al FICX con un lleno total. Lo hizo para presentar Quién lo impide, uno de los títulos del año, propuesta de cine inmersivo que se adentra en la vida de un grupo de adolescentes para hablarnos de lo que fuimos, lo que somos y lo que seguiremos siendo. El cineasta regresó a Gijón para participar en la selección Crossroads, en colaboración con el Festival de San Sebastián.

Al director español le hizo “ilusión” volver a Gijón, donde en 2010 presentó su ópera prima, Todas las canciones hablan de mí. Fue una ilusión compartida por público y Festival, quizá contagiados por el propio Trueba, para quien “las películas son un espacio privilegiado para compartir, tanto experiencias, como personas, inquietudes y sensaciones”.

Sobre Quién lo impide, Trueba explicó que ha sido “un trabajo de cinco años, durante los cuales realicé una serie de encuentros con los protagonistas” y destacó que es una película que “necesita un diálogo con el público para cobrar vida” por lo que pide que, pese a su extensa duración (220 minutos), “se vea en las salas de cine”.

Trueba retrata en su cine “a gente que me genera curiosidad” como los protagonistas de Quién lo impide. El director sigue haciendo películas con “el mismo equipo” de su ópera prima, “aprendiendo juntos cómo hacerlas”. Por la última, se han llevado la Concha de Plata, el Premio FIPRESCI y Premio Feroz en San Sebastián.

El público no solo ha vuelto a las salas, también lo ha hecho las presentaciones de libros del FICX. Desde Medellín, Jerónimo Atehortúa, autor de Los cines por venir, nos contó cómo se gestó este libro, editado por Muga con el apoyo del FICX: “La idea fue generar una constelación de cineastas con un poder modélico sobre las ideas cinematográficas”, argumentó.

Y la constelación no puede ser más rutilante: Béla Tarr, Víctor Erice, Mariano Llinás, Rita Azevedo Gomes, Víctor Gaviria, Lucrecia Martel, Alice Rohrwacher, Apichatpong Weerasethakul, Carlos Reygadas, Kelly Reichardt, Lav Diaz, Radu Jude, Albert Serra, Pedro Costa, Albertina Carri y el añorado Luis Ospina.

“La selección de cineastas presentes en el libro comenzó cuando estudiaba en la Film Factory de Bela Tarr en Sarajevo – recordó Atehortúa-. En ese momento trabajaba como crítico de cine para un periódico en Colombia y algunos de los cineastas del libro, como Pedro Costa, Carlos Reygadas o Víctor Erice estuvieron en la factoría y vi que tenían un discurso de cómo producir películas al margen de la industria”.

Jerónimo Atehortúa resaltó la capacidad desmitificadora del libro respecto al proceso de creación cinematográfica. En este sentido, el coordinador de esta edición, Leo Simoes, destacó como “encontramos en el libro un estímulo que puede llevar a la creación artística en cualquier disciplina”. Por su parte, la editora Ros Boisier confesó que “al leer el libro, me dejaba llevar por la lectura, dándome la impresión de que estábamos derribando barreras en torno a la creación cinematográfica”.

La presentación de Los cines por venir sirvió también a Atehortúa para enfocar uno de los problemas que vive el cine de su país, Colombia: “La buena salud de la cinematografía se ve amenazada por los gobiernos de turno y por las limitaciones lingüistas que les ponen los productores”. Un problema que da para más de un libro.

Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle) protagoniza de principio a fin Rien à foutre, la película que han presentado en 59FICX sus directores Emmanuel Marre y Julie Lecoustre y que fue premiada en la Semana de la Crítica de Cannes. En ella, según Emmanuel Marre “hicimos un relato de Casandra (Adèle Exarchopoulos) y de toda una generación que vive al día”. Posteriormente añadió “vivimos una vida fragmentada, con cambios constantes en la misma, por ello quisimos que la protagonista fuese una azafata de una compañía aérea low-cost, las cuales hacen cuatro viajes diarios, viendo poco más que la pista de aterrizaje de los aeropuertos”.

Por su parte Julie Lecoustre manifestó que “la protagonista es una azafata, porque vimos que  ellas con su uniforme y sonrisa perenne, crean una especie de máscara en la que no hay espacio para la vulnerabilidad, al igual que ocurre con las redes sociales” y también “al principio ella huye de su familia y de su tristeza, pero al final se enfrenta a sí misma reuniéndose de nuevo con su familia y consiguiendo, gracias a ello, aceptar lo sucedido”.

Al ser preguntado por el origen de este proyecto, Emmanuel Marre comentó que “todo surgió de un vuelo que hice, en el que vi a una azafata que estaba pasándolo realmente mal, sin embargo cuando empezó su servicio cambió de cara, sonriendo como si no le sucediera nada”.

Sobre las circunstancias del rodaje Julie Lecoustre resaltó que “fue una suerte que el rodaje se produjera durante la pandemia, así pudimos trabajar con un equipo muy pequeño de cinco personas en los aeropuertos semivacíos”.

Para finalizar la rueda de prensa Emmanuel Marre quiso destacar como “a las multinacionales les interesa que la juventud piense de manera individualista, no colectiva para así no reclamar derechos laborales de forma conjunta” sin embargo “el ser humano es más fuerte que estas grandes empresas y por eso quiso mostrar gestos muy humanos de los trabajadores de estas multinacionales deshumanizantes.

Película muy interesante a la vez que necesaria y que se podrá ver el martes 23 a las 19.15 en la sala 9 de los Cines Yelmo.

Una de las novedades del 59FICX son los podcasts grabados con público en la cafetería Toma 3. Estos encuentros, con algunos de los cineastas presentes en el festival, son moderados por el crítico y programador de festivales Roger Koza. Ëste presentó a uno de los directores homenajeados este año, João Rosas como un director de “películas que profesan una especie de amor al mundo a través del cine y proporcionan momentos de placer al espectador” y también como “observador de la experiencia de los sentimientos en la vida cotidiana, algo muy difícil de observar y mucho más de filmar”.

El director portugués se mostró satisfecho al manifestar que “en nuestro país tenemos la suerte de poseer la libertad de filmar lo que quieras, ya que nos dan el dinero para producir la película sin esperar que mucha gente vaya a verla”. Así mismo reconoció una de sus mayores influencias como guionista en la figura de João César Monteiro “a la hora de filmar lo cotidiano y mostrar, de una manera simple, las cosas complejas que nos suceden mientras vivimos”. 

Uno de los aspectos con los que más disfruta, en su calidad de cineasta, es “el conflicto que se genera entre el texto escrito por él y las improvisaciones que van surgiendo por parte de los actores, en los ensayos previos al rodaje”, mientras que se manifestó en contra de “la sopa sonora de las películas, en las que se mezclan diálogos, música y sonido ambiente. Yo intento que el sonido ambiente de los lugares en los que ruedo sea un personaje más de mis películas”.

Respecto al futuro próximo, “estoy preparando un largometraje, que voy a empezar a reescribir en Enero, siguiendo con el mismo Universo de mis anteriores obras, las cuales pueden verse como un documental clandestino, en el que vemos crecer a su protagonista”.

Uno de los directores más interesantes del cine rumano actual, Radu Muntean presenta una película en el FICX por tercera vez, tras Tuesday after Christmas (2010, mejor largometraje en 48FICX) y Alice T. (2018). En ella “exploramos los límites de la generosidad cuando los cooperantes tienen que escoger entre su propia seguridad o continuar siendo generosos”.

De forma afable y cercana, el director rumano comentó: “empecé a explorar el tema hace diez años y, junto con mis dos guionistas, participé en dos de estas expediciones humanitarias que se dedican a llevar alimentos a las zonas más aisladas del país”. Así mismo comentó “hubo múltiples problemas a la hora de rodar mezclando actores profesionales y gente de las localidades cercanas” sin embargo “fue un acierto dar con Luca Sabin (el actor que encarna a Kente, detonante de la trama), ya que usamos parte de su biografía, para darle vida al personaje”.

Radu Muntean considera muy importante el choque que se produce entre la gente de la ciudad y la del pueblo, ya que “hay una falta de comunicación entre ambos mundos”, concluyendo que este tipo de cine tiene más éxito fuera de Rumanía que en su propio país, debido a que sus conciudadanos no están interesados en ver los problemas de su país en una pantalla de cine. Sin embargo “Întegralde está funcionando en Rumanía mejor de lo que esperaba”.

Perteneciente a la Selección Oficial a Competición Albar, esta excelente película se podrá ver hoy lunes a las 22.30 en el Teatro Jovellanos y el martes 23 a las 21.30 en la Sala 12 de los cines Yelmo.

Hoy lunes 22 de noviembre arrancan las jornadas FICXPro 2021 en coproducción con la Asturias Paraíso Natural Film Commission. El programa de actividades se extenderá hasta el jueves 25 de noviembre y se desarrollará en diversas localizaciones de la ciudad de Gijón: el Centro de Cultura Antiguo Instituto (CCAI), Spaces Gijón y Laboral Ciudad de la Cultura.

LUNES 22 DE NOVIEMBRE

Salón de Actos Centro de Cultura Antiguo Instituto

Acceso libre hasta completar aforo

11:15 h. CHARLA | Nuevas ayudas 2021-2027 y sostenibilidad. Europa Creativa MEDIA: Oficina España
PONENTE | Christian Solanas. Comunicación y Promoción. Oficina MEDIA España

12:30 h.  PUSH PLAY Work-in-Progress Pitching Session
Presentación de proyectos en fase de pre-montaje, montaje y postproducción, acompañados de la proyección de fragmentos de las obras. Actividad en castellano. C/ traducción simultánea al inglés

PROYECTOS Y PONENTES

Cando toco un animal (Sétima) | Ángel Filgueira. Dirección
El mapa para tocarte (Lunática Producciones Audiovisuales y Mutante Producciones) | Mercedes Afonso. Dirección
H (Dvein Films) | Carlos Pardo Ros. Dirección
Puerperio (Pilar Álvarez) | Pilar Álvarez. Dirección
Sobre las nubes (Trivial Media) | María Aparicio. Dirección

MARTES 23 DE NOVIEMBRE

Salón de Actos Centro de Cultura Antiguo Instituto

Acceso libre hasta completar aforo

10:30 h. CHARLA – ENCUENTRO: La Incubadora | Bodegón con fantasmas
PONENTES | Rafa Alberola. Responsable de The Screen.Alejandra Mora. Productora Ejecutiva en Quatre Films y Enrique Buleo. Director de Bodegón con fantasmas.

11:30 h. PRESENTACIÓN – ENCUENTRO | Fortaleciendo redes: Ayudas para la organización de festivales y certámenes cinematográficos en España del ICAA
PONENTES | Elisa Rodríguez. Subdirectora General de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA | Beatriz López. Jefa de servicio de Promoción del ICAA | Ana Suarez. Presidenta GABITU
Modera: Alejandro Díaz. Director del Festival Internacional de Cine de Gijón (FICX)

12:30h.  FICX LAB Pitching Session
Presentación de proyectos en fase de desarrollo seleccionados en la convocatoria FICX LAB 2021.

PROYECTOS Y PONENTES

Campolivar (Oberon Media) | Alicia Moncholí. Dirección
Cartografías del monte (Samuel Fernandi) | Samuel Fernandi. Dirección
El fin de todas las cosas (Diego Flórez y Luis Aceituno) | Diego Flórez Álvarez. Dirección
Hablar de estas cosas (Fernando Lorenzana) | Fernando Lorenzana. Dirección
Toda la noche lloviendo (Vicario Films) | Paula Vicario y Ana Sierra. Dirección
FUERA DE CONCURSO:
Trashumancia (Penélope Paniagua Molina) | Penélope Paniagua Molina. Dirección

Las jornadas de profesionales FICXPro 2021, en coproducción con la Asturias Paraíso Natural Film Commission, continúan los días 24, 25 y 26 de noviembre

Os dejamos un resumen de los últimos días de la programación del FICXPro. Nos vemos en las charlas, encuentros…

MIÉRCOLES 24 DE NOVIEMBRE

Salón de Actos Centro de Cultura Antiguo Instituto

Acceso libre hasta completar aforo

12:30 h. CHARLA: ¿CÓMO HAGO QUE MI CORTO SE VEA? Herramientas y estrategias para la elaboración de un plan de distribución. Análisis de casos prácticos. Acceso libre hasta completar aforo

PONENTES | Jorge Rivero. Coordinador Laboral Cinemateca Cortos | Silvia Cruz. Fundadora, Distribuidora y Productora de Vitrine Filmes

Retransmisión en directo por el canal de Youtube del FICX. Puedes acceder pinchando aquí.

JUEVES 25 DE NOVIEMBRE

Salón de Actos Centro de Cultura Antiguo Instituto

Acceso reservado

10:00 h. MASTERCLASS con Michael Zam
Masterclass de guion impartida por el profesional Michael Zam. Acompañado de Pamela Biénzobas colaboradora FICXPro.
Acceso reservado al alumnado de Academia FICX y representantes de los proyectos seleccionados en FICXPro LAB

11:15 h.  JORNADAS. Acción / FICX: ¿De qué viven los directores y directoras de cine?
Acceso reservado
Diálogo entre profesionales de la dirección sobre el título que da nombre a las jornadas. Con el objetivo de generar un manifiesto a través del que hacer público la realidad que vive la mayoría de la profesión.

18:30 h.  Encuentro entre cineastas y asociaciones Acceso reservado

La asociación de directores Acción presentará sus estrategias y actividades claves en pos de mejorar la situación de la profesión en nuestro país. Dirigida a cineastas y asociaciones con el objetivo de favorecer el acercamiento entre profesionales y la colaboración.

VIERNES 26 DE NOVIEMBRE

Acceso reservado

De 09:30 a 14:30 h | LOCATION TOUR, descubriendo localizaciones. Acceso reservado

Recorrido organizado por el Gijón Convention Bureau a través del Área de Turismo de Divertia Gijón, en colaboración con la Asturias Paraíso Natural Film Commission, la Asociación Acción y el FICX. Acercamos espacios singulares de la ciudad de Gijón a cineastas, mostrando las posibilidades que ofrece la ciudad para acoger rodajes cinematográficos.

La covid-19 hizo que ficx.tv se hiciera viral en 2020. Este año, el FICX ha vuelto a los cines, pero mantiene la actividad on line en FILMIN para el público que no puede ver nuestra Selección Oficial en las salas, programación que comienza hoy con Amor Fati.

Hasta el lunes 29 de noviembre, Filmin estrenará, durante tiempo limitado, títulos de las tres competiciones de la Selección Oficial (Retueyos, Albar y Tierres en Trance). Estos pases cuestan 10 € para quienes no están suscritos a FILMIN (e incluye un mes de suscripción) y 5 € para usuarios de la plataforma.

Todas las películas seleccionadas en este pase digital FILMIN tienen su estreno en España en Gijón, e incluye estrenos europeos (18 ½, en Albar) y premières mundiales (Un cielo impasible y Welcome to Ma Maison, de Tierres en Trance).

Puedes descargar toda la programación del FIX ONLINE 2021 en este enlace.

Uno de los momentos más esperados del 59 FICX es el estreno en España de El Planeta, la ópera prima de Amalia Ulman. Un Gijón en un “sensual” blanco y negro que muestra otra cara de la ciudad, alejada de los folletos de turismo, la que la directora plasmó a través de “dos hormiguitas con problemas universales”.

Amalia protagoniza El Planeta junto a su madre Ale Ulman. “Ser dirigida por ella fue un placer. Hicimos aquella prueba y fue aceptada para hacer la película, recordó la actriz. “La película habla sobre dos personas que se quieren y cómo esta relación se puede ver afectada por las circunstancias”, contó la artista a la que el FICX le dedicó un foco en 2020. Para ella, “cuantas más mujeres haya haciendo cine, habrá más películas sobre madres e hijas”.

Tomando como punto de partida el caso real de dos mujeres, madre e hija, que estafaron hace unos años a diversos locales gijoneses con la excusa de su relación con un destacado político regional, “hemos desarrollado una historia acerca de la particular idiosincrasia gijonesa”.

Ambas Ulman coincidieron en el buen ambiente generado en el rodaje: “La película se hizo con muy poco presupuesto, el rodaje duró únicamente 17 días, pero hubo mucha implicación de todos los participantes en el mismo”, destacó la directora.

Por su parte, el director de fotografía Carlos Rigo indicó que “fue un acierto rodar en blanco y negro, ya que los primeros días hizo mucho sol, lo que no cuadraba con el tipo de imagen que querían conseguir”. En este sentido, Amalia Ulman fue más allá: “Quisimos rodar en un blanco y negro sensual, como los de La dolce vita, 8½ y El crepúsculo de los dioses ya que al rodar con limitaciones de presupuesto no queríamos tener problemas con la luz gijonesa, tan cambiante”.

Esa luz gijonesa se verá esta tarde (21) en el Teatro Jovellanos (19:30h) y el lunes 22 en los Yelmo 10 Telecable (17h).

Desde 2011 el FICX otorga el premio Mujer de cine, que reivindica el trabajo y la visibilidad de las mujeres en el ámbito cinematográfico. En esta edición la galardonada ha sido la actriz, guionista y directora Icíar Bollaín, que recibió el premio en el Teatro Jovellanos, antes de la proyección de Maixabel, su último trabajo. En Gijón/Xixón, Bollaín dijo que en su última película “hay una idea de poner en valor la capacidad de diálogo, de empatía”.

Contó Icíar Bollaín en el encuentro con la prensa que siempre le ha gustado contar historias y que “cuando era actriz pedía a los directores que me dejaran ir a la sala de montaje, para aprender todo lo posible”. Otra de las razones que le hicieron dar el paso a la dirección fue “poder identificarme con los personajes que iba a crear, lo cual no conseguía en mis trabajos como actriz”. Y su encuentro con Chus Gutiérrez fue decisivo, cuando la directora la eligió para protagonizar su ópera prima. “Es necesario tener referentes. Cuando vi a una chica como yo [por Chus Gutiérrez] dirigiendo me dije: pues quizá yo también puedo”. Pudo. Y por su trabajo como directora y guionista se ha visto recompensado con la obtención de dos Goya de un total de once nominaciones, además de reconocimientos en Cannes, Berlín, Guadalajara, Toulouse, Málaga y Valladolid, entre otros festivales internacionales.

Una de las características del cine de Icíar Bollaín es tratar problemas sociales, previamente a haber sido asimilados por la sociedad, ni tratados como tales por los medios de comunicación. La directora lo explicó así: “Yo leo una noticia en el periódico y me pregunto quiénes son esas personas, cómo son en su día a día, no me quedo únicamente en la noticia”. Ese interés por los personajes de las noticias le ha llevado a crear obras pioneras en el tratamiento de temas como la España vaciada, la inmigración o la violencia de género.

En el encuentro con la prensa, Ana Palacios, directora de Mujeres de Cine, recalcó que el premio que en ediciones anteriores recibieron profesionales como la productora Esther García, la directora Isabel Coixet o la actriz Mercedes Sampietro, “es un proyecto para intentar cambiar la realidad a través del conocimiento”.

Una de las películas más bizarras del festival es el “NO documental” Welcome to ma maison perteneciente a la Selección Oficial Tierres en Trance. Para presentarla a los medios de comunicación estuvieron su director Andrés Goteira, la directora de fotografía Lucía C. Pan y el asistente de dirección Nacho Ozores.

Según Andrés Goteira “la idea de la película surgió tras conocer a Igor (el actor principal) en la presentación de Dhogs, su primera película como realizador” y que “la relación entre ambos ha sido como la de una pareja sentimental, siendo los egos personales la mayor dificultad a la hora de rodar”.

Lucía C. Pan manifestó que “la película tiene varias capas de realización, al estar rodada en parte con móviles, parte con cámaras”, además “hay escenas rodadas en directo, sin ninguna preparación y otras muy trabajadas”.

Finalmente el director confesó que “a partir del fugaz encuentro con Nicholas Winding Refn, tuvimos que cambiar el sentido de lo que estábamos haciendo, ya que Igor perdió gran parte del interés por seguir intentando contactar con él” y “hubo fases del proyecto que tiramos la toalla, no teníamos documental”. Eso hizo que “tomáramos otra dirección en la que nosotros mismos nos convertimos en protagonistas del documental”.

¿Y si te toca asumir tu embarazo no deseado cuando ya no puedes abortar? El planteamiento llega desde Noruega de la mano de la directora Yngvild Sve Flikke, que participa en la competición de la Selección Oficial Retueyos con Ninjababy, una comedia nada condescendiente sobre este conflicto. La cineasta contó en Gijón/Xixón que eligió ese tono “para suavizar y equilibrar un tema tan serio como el que trata la película”.

Junto a la ilustradora y coguionista Inga Sætre, la directora creó “un personaje muy natural, lejos de la imagen de una joven que se maquilla y aparece, gracias a filtros y medias verdades, siempre perfecta en las redes sociales”.

Y entre la comedia y el drama, emerge la caótica Rakel, un personaje deslenguado interpretado por Kristine Kujath Thorp, que asumió su primer papel protagonista con cierto desasosiego: “Era mi primera película importante y estaba muy nerviosa por el reto que suponía para mí.  Además, estaba tan insegura que a las dos semanas pensaba que Yngvild me iba a echar”.

Y para ayudar al personaje a defender una mirada desprejuiciada y punk sobre la maternidad, cineasta e ilustradora integraron la animación en la trama. Y el resultado se llevó premios en Berlinale Generation y Giffoni.

Mirza Delibašić fue una leyenda en las canchas y un héroe fuera. Lo ganó todo con la entonces selección yugoslava y durante la Guerra de los Balcanes no quiso huir de su país. En España jugó con los colores del Real Madrid y dos de sus compañeros de equipo le recordaron en Gijón en la presentación de Shooting for Mirza, de Juan Gautier (Esbilla – Equí n’otru Tiempu). Para un emocionado Juan Antonio Corbalán, compañero y cómplice, “la presencia de Mirza Delibašić en nuestras vidas fue un regalo del destino”.

Corbalán y Juanma López Iturriaga, dos grandes del club blanco, arroparon en Gijón/Xixón al director, y al productor y guionista asturiano Yayo Herrero, en el estreno de A una Coca-Cola de distancia con en el Toma 3, un animado encuentro moderado por la periodista deportiva Carmen Menéndez (EFE).

Gautier vio desde el primer momento que en Delibašić “había un biopic muy potente”. Shooting for Mirza se estrena cuando se cumplen 20 años del fallecimiento de Delibašić. Yayo Herrero, que califica la historia del jugador de “increíble” confesó el problema al que se enfrentó como guionista: “Qué contar y que no; porque a partir de todo el material que teníamos se podrían hacer muchos más largometrajes”. El que pensó junto a Gautier parte de Danko Delibašić, hijo del campeón, y refleja “el contraste entre el padre ausente que fue Mirza y el padre absolutamente dedicado con sus hijos que es Danko”.

En la primera toma de contacto del documental con el público, en Toma 3, Corbalán encaró el aro y no dejó de compartir vivencias con su compañero de equipo: “Nunca he visto a nadie jugar con la elegancia y eficacia de Mirza. Era un príncipe, un cisne en la cancha de baloncesto”. Iturriaga, con su habitual desparpajo, contó varias anécdotas y sentenció: “Lo mejor de Mirza es que, a pesar de haber estado únicamente dos años en el Real Madrid, treinta años después seguimos recordando su figura. Eso está al alcance de muy pocos”.

Lo que sí está al alcance de unos cuantos es disfrutar en el FICX Shooting for Mirza. Será el martes 23 de noviembre (Yelmo 9 Sundance TV, 17h).

Concebir la sociedad actual sin la existencia del deporte se nos antoja imposible. Por ello, una pequeña representación de las películas participantes en el 59 FICX, tienen al deporte como leitmotiv, pero tratando además aspectos sociales y existenciales.

Olga, representante de Suiza en los Óscar, nos introduce en el difícil y entregado mundo de la gimnasia rítmica. Su protagonista, una joven ucraniana, deja atrás familia, amigos y la guerra de su país con Rusia, para trasladarse a Suiza e intentar cumplir su sueño. Destacado debut de su directora, Elie Grappe, el cual ya ha sido premiado en la Semana de la Crítica de Cannes.

Mirza Delibašić es más que una leyenda del baloncesto europeo, es un símbolo, una forma diferente de entender el deporte en general y el baloncesto en particular. Su hijo Danko recupera en Shooting for Mirza la figura de su padre a través de encuentros, imágenes de archivo y momentos de alto voltaje emocional, todo ello de la mano del director español Juan Gautier. Aquel a quien Juan Antonio Corbalán (presente en el 59 FICX) denominó como “un violinista en la cancha” protagonizará uno de los momentos más emotivos de este año.

El fútbol profesional y todo lo malo que le rodea: competitividad, dinero, fiestas, drogas o pérdida del control de la propia vida, son los temas que aborda Tigers. Basada en la historia real del futbolista sueco Martin Bengtsson, nos muestra como el sueño de un niño se transforma en la peor de las pesadillas al cumplirse. Ronnie Sandahl (guionista de Borg McEnroe. La película) vuelve a mostrar las interioridades del deporte profesional y lo que se esconde detrás de los autógrafos, los flashes y las sonrisas.

La presión de la competición olímpica es el tema principal de Vatios, cortometraje de David Pérez Sañudo (director de Ane, ganadora de tres premios Goya en 2020). Laida es una ciclista profesional que en pleno confinamiento por el Covid-21 entrena en su domicilio, luchando contra la soledad, la incertidumbre y una lesión de rodilla. Un día cae en la cuenta de que, debido al estado de alarma, tiene la oportunidad de doparse, ya que no puede recibir la visita de los controladores antidoping.

Partir de la realidad para desarrollar una obra artística. Este es el camino que recorre Sandrine Veysset cuando se pone tras la cámara. La cineasta francesa, de la que el FICX ha programado la primera retrospectiva que se le dedica en España, explicó en Gijón/Xixón que “todos los personajes de mis películas cargan con la marca de su infancia y de su pasado, lo que no les impide actuar con libertad”. Y eso es así porque, argumentó, “lo que más me interesa es la psicología de los personajes, su parte íntima”.

Con un hablar pausado, casi hipnótico, la directora comentó que sus películas “tienen parte de realidad y parte de fábulas; busco una especie de neorrealismo, mezclado con ficción literaria”, como su exitoso debut, Y’aura t’il de la neige à Noël?, con el logró el César a la Mejor Ópera Prima en 1996, o joyas como Victor … pendant qu’il est trop tard (1998); Martha… Martha (2001) y L’histoire d’une mère (2016).

Veysset, de mirada hábil, acostumbrada a transitar entre el realismo, la magia y lo onírico,  trabaja ahora en una TV movie para la France 2. Es el primer proyecto en el que la cineasta trabaja con un guion ajeno. En Gijón/Xixón explicó que “rodar para la televisión es algo muy diferente ya que, entre otros aspectos, no hay tiempo para dirigir a los actores como me gustaría”.

Pocos cineastas merecen más el premio Isaac del Rivero, que otorga el FICX desde hace dos años, que Gonzalo Suárez. Su trayectoria como director, de más de 50 años, refleja una personalidad creativa, intelectual y vitalista, como pocas ha habido en la historia del cine español.

El premio se le entrega oficialmente en la ceremonia de inauguración, pero antes se ha celebrado una rueda de prensa en la que el escritor y cineasta ha contestado a las preguntas de los medios congregados, con la sencillez, naturalidad y desparpajo a los que nos tiene acostumbrados. Más que una rueda de prensa ha sido una masterclass de vivencias personales y filosóficas.

La rueda de prensa comenzó con la siguiente declaración de intenciones: “Antes uno iba hacia algún sitio en busca de algo, en busca de cultura. Ahora te lo sirven en tu casa sin que lo pidas, pero tú no lo escoges, alguien lo escoge por ti”.  Y más: “De mayor me gustaría ser explorador, pero sin encontrar nunca lo que busco”, una frase que le viene al pelo a alguien que siempre ha estado, culturalmente hablando, en continua investigación.

No es la primera vez que el artista ovetense acude al FICX a recoger un premio, ya que en 2003 fue galardonado con el Premio Nacional de Cinematografía Nacho Martínez. Alguien que reconoce ver mucho cine, pero en casa y que opina que, “por desgracia, las salas de cine van a desaparecer, como las cuevas prehistóricas”.

Finalmente, pese a considerarse primero de todo un escritor, nos confesó que “lo cambiaría todo por un meter un buen gol de cabeza por encima de los defensas contrarios”.  Veo difícil que hubiese mejor manera de comenzar la edición de este año del festival.

Con presentación de Miguel Barrero (director de la Fundación Municipal de Cultura de Gijón/Xixón) y Alejandro Díaz Castaño (director del FICX) se ha inaugurado este viernes en la Sala 1 del Centro de Cultura Antiguo Instituto, la exposición que el festival dedica este año al dibujante, ilustrador, cineasta y músico Alberto Vázquez Rico.

Con el título ‘Fábulas sin moral’, la muestra recoge más de una treintena de ilustraciones, clips y storyboards procedentes de sus cortos y largometrajes de animación, así como de sus colaboraciones en diferentes medios de prensa escrita.

El autor gallego ha demostrado su satisfacción por esta exposición, la cual estaba prevista para el pasado año pero tuvo que anularse por las circunstancias sociosanitarias. Además, ha declarado que está a punto de terminar su próximo largometraje Unicorn Wars, que espera poder estrenar en la próxima edición del FICX.

El autor de Psiconautas, los niños olvidados (2015), retrata de forma sutil en sus obras algunos de los problemas de la sociedad actual, usando además una estética visual muy personal. Todo ello conforma un extraño universo, con personajes que se mueven entre la ternura y lo macabro, el cual fascina a todos aquellos que se adentran en él.

Del 19 al 27 de noviembre

Horario: 12:00 a 14:00 y de 17:30 a 20:30

C.C. Antiguo Instituto – Sala 1

Marexada de cine musical en el FICX para que navegues entre géneros y tonos: desde la cercanía del documental canónico, que se adentra en las entrañas del protagonista, hasta la ficción más arrebatada que busca ampliar los horizontes cinematográficos, tanto de forma visual como sonora.

Si buscas un viaje psicotrópico a través de un universo alternativo en el que, entre otros muchos contrastes, la música electrónica se mezcla con la tradicional africana, Neptune Frost es tu película. Los directores Anisia Uzeyman y Saul Williams denuncian la discriminación por género y la explotación de los recursos africanos por parte del primer mundo, a través de una historia retrofuturista que no deja indiferente.

Otra historia para disfrutar y desmelenarse en la butaca: Tralala, la película que clausura el FICX, con un delicioso Mathieu Almaric fundiéndose con el tipo cuarentón, desfasado y alocado que protagoniza esta comedia musical firmada por los hermanos Larrieu. Y tras verla, recordad: «Sobre todo, no seas tú mismo». Y hasta ahí podemos leer.

Si Searching for sugar man supuso un hito en el documental musical hace 9 años (Óscar incluido), ahora Talking like her (Natasha Giler y Adam Briscoe) nos sumerge en una historia con muchas similitudes. ¿Conoces a Connie Converse? Pues la conocerás: cantautora norteamericana de los 50 que nunca llegó a tener el éxito que merecía. Desaparecida de la escena en los 70, la película sigue el rastro de su vida y obra a través de archivos y testimonios.

Casablanca beats dará que hablar. La candidata marroquí a los Óscar es una película alegre y vitalista que no esconde su carácter de denuncia. Nos narra una historia de lucha contra los prejuicios y los límites que la sociedad marroquí impone a los jóvenes, expresada a través del rapero Anas Basbousi (que se interpreta a sí mismo) y su labor para divulgar el hip hop.

Con un planteamiento similar a la anterior, pero con un tono mucho más suave: Soul Kids, de Hugo Sobelman, que enfoca la labor de la Stax Music Academy, una escuela musical fundada por el mítico sello Stax (Otis Redding, Sam and Dave o Isaac Hayes) que ofrece a los jóvenes de Memphis una oportunidad para salir del desempleo y la violencia.

Y otra propuesta que da en la tecla: dos pianistas gemelas de 91 años que viven juntas en la misma casa, donde parece que no ha transcurrido el tiempo desde hace décadas. No, no es una recreación bizarra de ¿Qué fue de Baby Jane?, sino Las cercanas, fascinante documental de deseos realizados y truncados con el que María Álvarez nos muestra la relación inquebrantable entre estas dos hermanas.

El escritor Pepe Colubi y la periodista Sonia Avellaneda serán los presentadores del acto de inauguración de la 59 edición del FICX, que se celebrará mañana en el Teatro Jovellanos a las 19 horas. Durante la gala, que se completará con la actuación musical de Julián Maeso, se entregará el Premio Isaac del Rivero a Gonzalo Suárez. A continuación, se proyectará la película C’mon C’mon. Siempre adelante, dirigida por Mike Mills y protagonizada por Joaquin Phoenix.

La periodista y actriz Arantxa Nieto presentará la lectura del palmarés, que se celebrará en el Teatro Jovellanos el día 27 a las 12:30 horas. Durante ese acto, el director Lisandro Alonso hará entrega del Premio de Honor FICX 2021 a la actriz Chiara Mastroianni. Ese día, el musical Tralala, dirigido por los hermanos Arnaud y Jean-Marie Larrieu, cerrará la 59 edición del Festival.

Los jurados

El Jurado Internacional de la Competición Retueyos estará compuesto por la directora y actriz Astrid Adverbe, que ha trabajado con cineastas como Paul Vecchiali o Boris Lehman; el director Fon Cortizo, galardonado el año pasado en esta misma competición por 9 Fugas, y la productora Isabel Orellana, programadora en el Festival Internacional de Cine de Valdivia (Chile).

El Jurado Internacional de la Competición Albar contará con la actriz nominada al Goya Pilar Castro, la comisaria portuguesa Cíntia Gil, que ha sido directora de los festivales Doclisboa y Sheffield DocFest, y la destacada cineasta del último cine español María Pérez Sanz.

El Jurado FIPRESCI de la Competición Tierres en trance está compuesto por tres escritores y críticos de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica: Mariona Borrull, especializada en la cobertura de festivales; Salvatore Marfella, crítico de cine italiano director de Rivista Milena; y Nick Pinkerton, guionista y escritor estadounidense cuyos escritos han aparecido en publicaciones como Film Comment, Sight & Sound o The Guardian.

El Jurado de los Cortometrajes a Competición estará formado por Carolina Astudillo Muñoz, directora, periodista, investigadora y docente chilena galardonada con la Biznaga de Plata en el Festival de Málaga; Amaia Serrulla, miembro del comité de selección del Festival de San Sebastián y Anne Gaschütz, organizadora y programadora de festivales de cine como el de Locarno.

El Jurado de Cine Español está compuesto por Manuel Asín, director artístico del Festival Internacional Punto de Vista y Coordinador del Área de cine del Círculo de Bellas Artes de Madrid; Irati Crespo, programadora de la Filmoteca Vasca y en áreas estratégicas del Festival de San Sebastián, y el gijonés Marcos M. Merino, director de largometrajes y proyectos audiovisuales exhibidos y premiados en más de veinte países.

El jurado que otorgará el Premio CIMA a la Mejor Película dirigida por una mujer está formado por Guadalupe Balaguer Trelles, productora de largometrajes y series nacionales e internacionales; Lola Beccaria, escritora y guionista nominada a los Goya y ganadora del Premio Azorín de novela; y Susana Guardiola, directora y guionista nominada asimismo a los Premios Goya y productora con más de veinte años de experiencia.

El jurado internacional que decidirá los proyectos ganadores de los Premios PUSH-PLAY Work-in-Progress está compuesto por Dimitris Kerkinos, escritor de ensayos sobre cine y antropología y programador en el Festival Internacional de Cine de Tesalónica; Roger Koza, crítico cinematográfico, presentador televisivo y programador y director artístico en distintos festivales internacionales; y el guionista, escritor y productor Michael Zam, cuyo trabajo ha logrado nominaciones a los Premios Emmy o los Globos de Oro.

El Jurado FICXPro LAB está compuesto por Silvia Cruz, productora y distribuidora cinematográfica en Vitrine Films; Gloria Benito, programadora en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria y experta de la convocatoria LAB, y Analía G. Alonso, productora de cine gallega.

El Jurado de los Curtiumetraxes y Largometraxes Asturianos a Competición lo forma Francisco Orejas, director general de Radio y Televisión del Principado de Asturias (RTPA); Ana Suárez, coordinadora de la Muestra de Cine Social y Derechos Humanos (MUSOC), y José Ángel Lázaro de la Cátedra de Cine de Avilés y Universidad de Oviedo.

El Jurado de Nuevos Realizadores lo forman Diego Llorente, guionista y director de cine galardonado en el FICX; Carolina Sarmiento, escritora y periodista; Alejandro Díaz Castaño, director del FICX, y un representante de Juventud del Principiado de Asturias.

La 58 edición del Festival adelanta nueva programación, que podrá disfrutarse junto a charlas, talleres, presentaciones y otras actividades de manera virtual por responsabilidad con la situación de la pandemia

El Presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, que ha declarado el Estado de Alarma para todo el país, terminó su discurso del pasado domingo 25 de octubre con la siguiente petición a la ciudadanía: “Reduzcamos la movilidad en la medida de lo posible y limitemos nuestros contactos sociales para frenar la transmisión del virus”. El Presidente de Asturias y la Alcaldesa de Gijón, cuyas administraciones también han aprobado medidas sanitarias restrictivas, se han manifestado en la misma dirección. 

En consonancia con lo expuesto por las autoridades competentes y a poco más de veinte días para la inauguración, el Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, que en 2019 vendió más de 50.000 entradas y movilizó a cientos de personas de fuera de Asturias, ha decidido, en un ejercicio de responsabilidad, que su 58ª edición se celebrará online. Mantendrá sin embargo algunas actividades presenciales puntuales con un alto contenido simbólico y diseñadas con todas las medidas de seguridad, que serán anunciadas en los próximos días.

Son tiempos difíciles, como muestran algunas de las fotos de Xixón de Manu Brabo con las que saludamos cada día en nuestras redes sociales

Las declaraciones del Director del Festival

El Director del Festival, Alejandro Díaz Castaño, afirmó en la rueda de prensa de este jueves que “desde el FICX asumimos las recomendaciones de las autoridades, y creemos que la responsabilidad y la solidaridad son fundamentales para ayudar a reducir el impacto de la pandemia en la salud de la ciudadanía y recuperar nuestra actividad habitual lo antes posible. Priorizamos así la salud de nuestros/as trabajadores/as, de los/as cineastas, jurados/as, periodistas y del resto de participantes en nuestra 58ª edición sobre cualquier otra circunstancia”. 

Esta situación no es nueva ni llega por sorpresa. Díaz Castaño agregó que “desde el comienzo de la crisis de la COVID-19, el FICX se ha preparado para garantizar que podría celebrarse en cualquier escenario, incluso en el actual, mucho peor de lo que todos y todas esperábamos hace apenas un mes cuando presentamos la imagen y un adelanto de la programación. Un festival online completo y trabajado que permitirá que el público disfrute en sus hogares de una selección del mejor cine independiente contemporáneo e incluso acceda a encuentros con creadores y creadoras, debates y actividades paralelas”. 

Además, recordó que “es indudable la labor de dinamización social, económica y cultural que acompaña a cada edición del FICX, y somos plenamente conscientes de que la celebración online no será positiva para su impacto. Por ello, nos comprometemos firmemente en hacer lo posible por seguir vinculando esta edición online a sectores económicos de la ciudad, así como a entidades colaboradoras de Gijón, del Principado de Asturias y del resto de España.”

Por último, añadió que “desde el FICX consideramos cada vez más importante reivindicar nuestro proyecto no solo como un conjunto de actividades que tienen lugar durante una semana, sino como un plan de difusión y aprendizaje audiovisual que se desarrolla durante todo el año. De hecho, somos uno de los pocos festivales de nuestro país que, en condiciones normales, lleva a cabo iniciativas durante todos y cada uno de los meses del año. También incluye proyecciones en Gijón y en el resto de Asturias, además de colaboraciones con prestigiosos festivales nacionales e internacionales. Nuestros/as seguidores/as pueden estar seguros/as de que, en cuanto las circunstancias derivadas de la pandemia sean lo suficientemente favorables, el FICX regresará a la presencialidad sea cual sea la época del año”.

Nuevo adelanto de programación

Además de las primeras películas de la Sección Oficial que el FICX presentó el mes pasado, la edición de este año cuenta ya con un segundo adelanto que en la rueda de prensa explicó el director de Programación, Fran Gayo. Los títulos anunciados que también competirán en las tres secciones oficiales (Retueyos, Albar y Tierres en Trance) son los siguientes: 

La película de inauguración del Festival será ¡Al Abordaje!,deGuillaume Brac (Francia, 2020). La historia de un viaje en busca de un romance a través del sur de Francia. Una pareja, un amigo, un conductor, y unas vacaciones inesperadas donde el azar desbarata todos los planes.

El resto de películas anunciadas este jueves son las siguientes:

Uppercase Print. Radu Jude (Rumanía, 2020). 

Un joven de 16 años se enfrenta al gobierno comunista de Ceausescu contando en las paredes una crónica de la vida del país distinta a la que construye la televisión estatal. Treinta años después de la caída del comunismo, la película revela la figura de un héroe desconocido.

First Cow. Kelly Reichardt (USA, 2019).

Un cocinero se une a grupo de tramperos de pieles en el Territorio de Oregón, aunque sólo encuentra una verdadera conexión con un inmigrante chino, que también busca su fortuna. El encuentro propicia un negocio conjunto, que necesita una preciada vaca lechera propiedad de un rico terrateniente de la zona.

9 Fugas. Fon Cortizo (España, 2020).

Tres relatos olvidados que afloran en una historia protagonizada por una joven trabajadora de una lonja, un barco silencioso y un grupo de improvisadores que indagan en los sonidos del pasado.

Implosión. Javier van de Couter (Argentina, 2020).

Entre el deseo de venganza y la necesidad de superar un trauma, dos amigos se lanzan a una investigación para encontrar al compañero que hace quince años desencadenó una masacre en su instituto, a la que ellos sobrevivieron.

The Castle. Lina Luzyte (Lituania, 2020).

Una joven lituana emigrada en Dublín y con un notable talento para cantar, se debate ante una crítica situación familiar, con una madre deprimida y una abuela aquejada de demencia. La oportunidad de su vida, un concierto en el exclusivo The Castle, precipita su situación.

Durante los próximos días iremos informando del resto de la programación y de las actividades que estamos preparando.

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El filme de Jorge Thielen Armand es un descenso al infierno en mitad de la selva

Hay momentos en La Fortaleza en los que te dan ganas de coger al protagonista y abofetearle. En otros, de abrazarle. Su descenso a los infiernos en plena selva venezolana, al modo de un Corazón de las Tinieblas contemporáneo, te hace saltar de la angustia a la esperanza, y de la esperanza y al asombro durante una historia que parte de una premisa sencilla: Roque, un alcohólico de 40 años, se encuentra de repente de patitas en la calle de su casa paterna y ha de decidir qué hacer. No lo piensa mucho.

Con el trasfondo de una Caracas convulsa por el desquiciamiento político que arrastra desde hace ya años, Roque se embarca en un viaje que no sabes si es huida o búsqueda. Se sumerge en la selva amazónica, donde tiene un conocido con una mina de oro clandestina. A partir de ese momento, observas en la pantalla escenas que no sabes si son ficción o están sacadas de un documental. Si aquello existe tal cual no está recreado con una fidelidad increíble. Roque el alcohólico busca la redención personal en medio de aquella jungla humana, atrapado, de mano, en sus propios demonios.

Hay algo más conmovedor aún en esta película de Jorge Thielen Armand: el protagonista está inspirado en su padre, que además lo encarna en la pantalla. Pocas veces una historia de tamaña crudeza parte de una biografía que son dos, pues reúne la visión del padre y también la del hijo, uno de los cineastas iberoamericanos más interesantes que podéis descubrir hoy.

La Fortaleza compite en nuestra sección oficial de esta 58 edición del FICX, dentro de la sección Tierres en Trance, que reúne lo mejor del cine iberoamericano actual, siempre comprometido con sus combates.

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Una película que comparte decenas de cartas entre dos amigas

En Transoceánicas los subtítulos no son tales, sino textos de las cartas que sus dos protagonistas, después de haber vivido juntas, se intercambian tras el regreso a sus respectivas ciudades: Barcelona y Buenos Aires. Cada línea condensa sentimientos comunes y evoca algo que te ha sucedido, que has pensado o que has experimentado en algún momento de tu vida. Con lo cual, desde el mismo arranque te conviertes en lector de esa correspondencia postal íntima, de la que participas en silencio.

Las dos mujeres que codirigen esta película, la argentina Lucía Vassallo y la catalana Meritxell Colell, comparten con el espectador vivencias, dudas y momentos cotidianos, grabando el entorno urbano y rural de sus paisajes y de sus trabajos, con naturalidad, sin artificios, creando un ambiente doméstico que sin embargo resulta muy sugerente. Que alguien mire la ciudad de una forma en la que ya hemos dejado de mirarla los peatones acelerados y los conductores más acelerados aún nos devuelve el aprecio por el lugar donde alojamos nuestras vidas.

Las cartas, el teléfono y las conexiones por Skype consolidan una amistad, sostenida además por la dedicación de ambas al cine, que se resiste a la distancia en un mundo en el que este concepto ha cambiado por completo. La proximidad con los amigos, la familia, los conocidos o los compañeros de trabajo se establece ahora más que nunca en la solidez de la actitud, en la firmeza de concebir los días como algo colectivo, que solo se enriquece al compartirlos.

Transoceánicas compite en nuestra sección oficial de esta 58 edición del FICX, dentro de la sección Retueyos (brotes, en llingua asturiana) que presenta primeros, segundos o terceros largometrajes de mirada heterogénea. Aquí tienes todos los datos técnicos, y la ficha de la película.

El Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón convoca FICX Pro | LAB, una iniciativa destinada a impulsar el talento joven, el desarrollo de obras con valor artístico y la dinamización de la creatividad dentro del sector audiovisual asturiano.

El programa formará parte del marco de actividades para profesionales FICX Pro, anteriormente denominado FICX Industry Days, que en su cuarta edición explorarán nuevos formatos de actividades orientadas a propiciar espacios de intercambio entre profesionales con el fin de favorecer la circulación de contenidos y la generación de nuevas sinergias.

FICX Pro | LAB sucederá entre los días 23 y 26 de noviembre en el Centro de Cultura Antiguo Instituto.

Dirigido a jóvenes cineastas asturianos/as

FICX Pro | LAB está dirigido a jóvenes autores con un proyecto en fase de desarrollo, que podrán presentar su trabajo ante profesionales del sector y recibir asesoramiento individual para desarrollar sus proyectos con éxito.

La inscripción estará abierta del 20 de octubre al 11 de noviembre a través de este formulario disponible también en www.gijonfilmfestival.com 

Las bases completas pueden consultarse aquí.

Criterios de selección y premios

Los criterios de selección valorarán la originalidad y/o calidad artística y técnica de los trabajos, además de la viabilidad de los mismos y su vinculación con Asturias. 

La Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid (ECAM) otorgará el Premio OpenECAM que ofrece la grabación y/o edición de la obra premiada. Además, Asturias Paraíso Natural Film Commission concederá 1000€ para la realización de uno de los proyectos seleccionados.

En 2002, cuando le dedicamos una retrospectiva al director Abbas Kiarostami, un gran apagón dejó Gijón fundida a negro. Era la segunda vez que el iraní visitaba la ciudad, pues ya había estado en 1974 presentando The Traveller, cuando nuestro Festival se dedicaba al cine infantil y juvenil.

Al regresar, casi 30 años después, de tan humilde pidió disculpas porque en 1974 se había enfadado ante el follón que se montó entonces en la proyección de su película, con la chiquillería haciendo el gamberro entre butacas. Nos dejó flipando, claro. En 2002, ya todos los periodistas llamaban a Kiarostami «Master», tal era su prestigio cinematográfico y personal.

Pero hete aquí que la luz decidió desaparecer justo cuando el periodista de Radio Nacional de España Javier Tolentino se disponía a entrevistar al veterano y admirado cineasta. Kiarostami no se amilanó: subió los tres pisos del edificio de RNE a oscuras, se sentó y concedió la entrevista. No solo eso, sino que la enlució al comparar el apagón con la situación de Irán, donde por fortuna todavía contaban con «la luz de las ideas» iluminando la esperanza. 

«Fue la anécdota más hermosa de toda mi vida profesional, ha marcado algunas de las iniciativas de Radio 3 y algunos de mis proyectos», recuerda Tolentino. En este vídeo os cuenta cómo le marcó. Dadle al play.

Tres chavales se suben borrachos a un taxi de noche en Río de Janeiro. Son tres niñatos, de esos que has visto mil veces de copas pidiendo a gritos una bofetada de su mamá. La que nunca les dio. Bravucones, impertinentes, fatuos. Huecos. Incapaces siquiera de ponerse de acuerdo sobre a qué bar de moda acudir, marean al taxista con sus payasadas y desprecios hasta que…

No te vamos a hacer spoiler, porque tienes que ver esta peli.

Breve miragem de sol arranca con una escena rotunda, que te sienta de golpe anticipando en pocos minutos casi todo lo que te va a contar: la soledad de un volante; la ciudad entre luces y callejones; las historias breves del asiento de atrás, que evocan historias más universales al ser contempladas desde el retrovisor. Diferencias de clase, de raza, de frustraciones y de esperanzas, que viajan entre la claustrofobia de un vehículo en peligro de extinción (ay, Uber) y la interminable longitud de las grandes avenidas de una megalópolis que no parece acabar nunca. Río es lujo y favela en constante expansión.

Este fugaz espejismo solar deslumbra también con la historia personal de su protagonista, Paulo, un paria de estos tiempos eléctricos en busca de un futuro que cada vez a todos se nos hace más cuesta arriba. La favela crece más rápido que el residencial con piscina en este enfermizo siglo XXI. A sus 40 años, Paulo solo tiene un objetivo inmediato: recuperar a su hijo. Sin embargo, detrás de ese propósito hay un anhelo de redención, y también de encontrar un nuevo lugar en el mundo.

Breve miragem de sol, de Eryk Rocha, es una de las películas que compiten en la sección oficial de esta 58 edición del FICX. Se incluye dentro de la sección Tierres en trance, que reúne lo mejor del cine iberoamericano actual, siempre comprometido con sus combates. Tenéis toda la información técnica (sinopsis, ficha, material) aquí. Y para completar la historia, solo necesitáis subir al taxi, sentaros y dejaros llevar. Hacia el sol y hacia la oscuridad.

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La muestra sobre la carrera del ilustrador, dibujante de cómics y cineasta compone una de las principales actividades de la 58 edición del FICX

Un chico pájaro, incapaz aprender a volar, esnifa cocaína en la rama de un árbol, deprimido, consumido, vestido con traje y corbata de oficinista gris. Una guerra que recuerda a Vietnam, azuzada por prejuicios religiosos, enfrenta a ositos y unicornios en un bosque mágico. Una suerte de Caronte transporta en una barca a un demonio con cara de bueno, pero triste, mientras entre la niebla el barquero comenta que “Trabajo no hay, pero siempre puedes montártelo por tu cuenta”.

La cabeza de Alberto Vázquez (A Coruña, 1980) es una cueva de cuentos donde personajes antropomorfos, muchas veces de aspecto infantil, padecen desconsuelos y espantos. Incluso holocaustos. La exposición que podréis ver en esta 58 edición del FICX en el Centro Cultural Antiguo Instituto (CCAI) fascina y acongoja a partes iguales. Belleza que inquieta.

Vázquez es capaz de ilustrar las pesadillas de Poe o Lovecraft y, también, las aventuras de El lobo con botas. O de recrear deliciosos ambientes fantásticos en sus películas y cómics que, sin embargo, encuadran historias con emociones hondas, de las que conmueven, de las que duelen, como le duelen los ojos semivacíos a su encantador y a la vez desolador Birdboy:

“Los animales antropomorfos son una constante en nuestro folclore y en los cuentos clásicos y fábulas del mundo. Tienen una cosa muy interesante, y es que no tienen tiempo ni lugar, es decir, son universales. Para mí, es más sencillo porque me permiten crear mundos paralelos para poder hablar de nuestra realidad humana mediante metáforas y fantasía. Es por eso que los utilizo, y bueno, porque los animales son bonitos de dibujar”. Cuando el artista disfruta, y además busca un lenguaje accesible a muchos públicos, conecta directo a la arteria.

Birdboy ganó el Goya al Mejor Cortometraje de Animación en 2012. Alberto repitió con Decorado en 2017, cuando también se llevó el Goya a la Mejor Película de Animación por Psiconautas. 

Esas películas nacieron de sus tebeos, como también el cortometraje Sangre de unicornio, que antecedió a su actual proyecto: “Mi siguiente largometraje de animación, Unicorn Wars, es una especie de Apocalipsis Now mezclado con el mundo del cuento. Ahora mismo estamos ya en producción y se podrá ver en 2022”.

Mientras llega, la exposición del FICX combinará elementos de todas sus facetas artísticas: “Habrá procesos de la animación (storyboard, diseño de personajes, layout…), pero también páginas de cómic e ilustraciones que ayudan a entender la transición del mundo editorial al mundo audiovisual”. 

En ese camino, a este gallego le ha dado tiempo de crear incluso un videojuego adictivo y hermoso, cuyo nombre resuena hoy más inquietante que cuando lo estrenó: Microbian. “La premisa es muy sencilla: eres un microbio en un mundo hostil. Escapa como puedas”. Justo lo contrario de los días enfermos que nos ha traído este 2020:

“Sí, Microbian ya salió hace un par de años, antes de la actual pandemia. Yo estaba con mi amigo y músico de muchos de mis proyectos, Víctor García, y él quería programar una app. Surgió la idea de juntarnos y hacer un juego. Y, aunque no teníamos experiencia, nos liamos la manta a la cabeza. Tras mucho trabajo diseñamos un juego de plataformas para móvil que ha funcionado muy bien. Ha sido un reto que nos ha hecho aprender y enfrentarnos a un montón de complicaciones. Ahora estamos pensando en el siguiente”.

Mientras tanto, acaba de publicar La Caza (Astiberri), “un cómic/libro ilustrado sobre un cazador prehistórico”, más un recopilatorio de cuentos infantiles en Anaya. Pocos autores tienen una conexión tan personal con el cuento como narración, para lo más luminoso y para lo más sombrío. Pero siempre emocionante. Del 20 al 28 de noviembre, y gracias a la colaboración de la Fundación Municipal de Cultura, lo podréis comprobar en nuestro Festival. 

Imagina que eres una monja novicia en el siglo XVII y que condenan a tu hermano a muerte por fornicación (que antes era pecado, ya ves). Al parecer, ha dejado embarazada a una soltera, algo imperdonable. Como monja virtuosa, te debates entre rogar por la salvación de tu amado hermano o dejar que la justicia cumpla su sentencia, pues coincides en que ha pecado y en que merece la pena. Al final…

Semejante dilema es el que plantea la obra de William Shakespeare Medida por medida, que durante años fue considerada comedia y luego drama y ahora nadie sabe muy bien. Y semejante papel, el de la hermana de doble condición, es el que ensaya una y otra vez la protagonista de Isabella, la cuarta película del argentino Matías Piñeiro basada en personajes femeninos del genio inglés. Antes rodó –y ganó premios y aplausos– con Viola, Rosalinda y La princesa de Francia. Ahora llega a Xixón con la historia de otra chica, que son muchas.

Isabella es una película exigente. Necesita que como espectador te desates del concepto de tiempo lineal, y también de los espacios contiguos, pues funciona como una suerte de escenas aparentemente inconexas, que saltan adelante y atrás. Un ensayo continuo para una audición a través del cual la vida de la protagonista avanza y se amplía. Ahora estás en el presente pero a la vez en el pasado sin que se haya producido casi ningún cambio de plano. La forma es tan importante como el fondo, el escenario tan relevante como la realidad. Shakespeare tan cotidiano como un embarazo. El teatro es vida y es cine y es una perspectiva. Esas cajas de tamaño decreciente, con luces, que recorren todo el filme. O las ondas que dejan las piedras lanzadas al agua en la escena inicial. Círculos, líneas y colores.

Isabella compite en esta 58 edición del FICX, dentro de la sección Albar, dedicada a los autores y autoras que han acompañado el Festival conforme su carrera avanzaba. Aquí tienes todos los datos técnicos, y la ficha de la película.

Y si quieres conocer más historias de Festival, además de las novedades de esta 58 edición, suscríbete a nuestro boletín aquí.

Hubo un día en el que tuvimos un Óscar. Aída Gaitero todavía se ríe al recordarlo.

El nombre de Aída puede leerse en los créditos de muchas películas y documentales españoles. Desde 2012, forma parte del equipo del FICX trabajando en el departamento de actividades complementarias, responsable precisamente de la exposición de la que os hablamos: la que homenajeó a la diseñadora de vestuario hispano-británica Yvonne Blake en 2014, cuando asistió al 52 FICX para recoger el Premio Mujer de Cine de manos del director de cine Richard Lester.

La llegada al hotel también tuvo su carga anecdótica, como la cara del recepcionista al ver la estatuilla. O su sorpresa ante la petición de Aitor de un «recibo de caja fuerte» para asegurarse que no había lugar a extravíos en el ocaso de una jornada pintoresca y llena de estrecha vigilancia.

La expo desplegó algunos de los trajes más icónicos de la diseñadora, sus bocetos originales y… el Óscar que ganó al Mejor diseño de vestuario por Nicolás y Alejandra en 1971. ¡El Óscar! La estatuilla iba a exponerse en el Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón y Aída recuerda cómo Aitor Moriyón, compañero del festival, se hizo cargo de la misma. Esto fue lo que sucedió:

Aitor fue a buscarla a la caja fuerte del Hernán Cortés, hotel donde se alojaba Yvonne Blake. Metió el Oscar en una mochila negra de Decathlon, porque «así no parecía nada importante».
 

Tomó la calle Begoña, y al ver a la RTPA entrevistando al otrora director del festival Nacho Carballo, paró un instante frente a ellos y les mostró la cabecita del Óscar asomando por la cremallera de la mochila. Tiempo congelado. Pocos pasos después, el Óscar estaba en su destino.

Pero al cierre de puertas del CCAI al mediodía, Aitor volvía a hacerse cargo de la estatuilla, que esta vez viajó hasta el barrio de La Arena, donde le tocó posar en la mesa de comer, entre platos humeantes y ante la atenta mirada de Moriyón y su madre. Y vuelta al CCAI.

¿Y de noche? Para el Teatro Jovellanos, en la mochila claro, donde le esperaba un palco custodiado. La esperanza de Aitor era entregarlo a su dueña al cierre de aquel sonoro y aclamado discurso del «somos mujeres, no gilipollas». Pero nada más lejos de la realidad. Las andanzas entre ambos iban a sumar más momentos, puesto que la prioridad de Yvonne Blake no era recoger su estatuilla sino salir a cenar percebes con Don Lester.

Vuelta a la mochila. Vuelta a las calles de Gijón. Vuelta al anonimato en pos de la seguridad, en manos de Aitor, quien de camino al Hernán Cortés se encontró —esta vez— con su familia, a quienes —como es natural— regaló la oportunidad de ver un Óscar cara a cara por primera vez. Volvió a congelarse el tiempo en Begoña y cuando el sopor se desvaneció, la familia decidió flanquear con su compañía a la singular pareja, en el que iba a ser su último recorrido furtivo juntos. Aitor y el Óscar.

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Celsa F. San Narciso coordina el departamento de invitados y relaciones públicas del FICX. Es, además, decana y memoria del Festival. Se incorporó en 1986, cuando algunos aún temían un ataque preventivo de la URSS y vivíamos un mundo de citas definitivas, sin móviles, gestionado a base de faxes y notas unívocas, del tipo He bajado a comer, ahora vuelvo.  

Aquellos años (los de esa foto en blanco y negro), las películas aún se proyectaban en celuloide y solía resultar útil traducirlas. Para enfrentarse a las que llegaban sin doblaje ni subtítulos, Celsa se sentaba sola en cualquier lugar de pared amplia donde cupiera un proyector de celuloide, casetera en mano, película en pared. 

Sí, no dudéis ni arqueéis las cejas, es como lo imagináis: le proyectaban la película, que Celsa grababa en casetes para, con paciencia y método, ya de vuelta en casa, teclearla con aquellas máquinas de escribir tan proclives a la transcripción de guiones. 

Durante el Festival, Celsa tenía un palco si la película se proyectaba en el Jovellanos, o una butaca si era en otras salas. Desde allí, micrófono en mano, su voz leyendo ese guion era lo que gran parte del público escuchaba a través de los auriculares. 

–»¿Y cuando ladraba un perro, Celsa?»
 
–»Pues había uno que era muy simpático y decía ‘Guau, guau’ con una u otra entonación». 

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El Festival Internacional de Cine de Gijón abre la convocatoria para seleccionar a los miembros del Jurado Joven para la 58 edición del certamen. Todos aquellos jóvenes de entre 17 y 25 años de edad podrán participar en esta convocatoria, previa entrega de una breve memoria de motivación y una crítica cinematográfica sobre una película estrenada en 2019 o un breve vídeo-planosecuencia de temática libre.

La condición imprescindible para poder participar como miembro del Jurado Joven implican tener disponibilidad durante los ocho días que dura el certamen, del 20 al 28 de noviembre, con el objetivo de poder acudir a visionar las proyecciones de películas a competición.

Además, los miembros del Jurado Joven recibirán una acreditación completa que les dará acceso a todas las sesiones de cine además de a los actos de inauguración y clausura.

Se adjuntan las Bases para más información así como la ficha de inscripción para poder participar.

Bases e inscripción

• Bases
• Inscripción

El fin de la cuarentena ha ganado el concurso de cortometrajes del Conseyu de Mocedá de Xixón (CMX) Rodando en… donde puedas. El jurado ha seleccionado en segundo lugar XJV-410 y en tercero, Drogenfrender. Los tres han recibido 10, 7 y 4 puntos, respectivamente.

El voto del público ha sido para Tiempos Salvajes, con 144 votos en la web y 26 en la proyección. En segundo lugar, Así es la vida, con 79 votos en la web y 9 en la proyección. Y en tercero, el mencionado XJV-410, con 68 votos en la web y 11 en la proyección. 

El cruce de ambas votaciones deja como ganador absoluto a El fin de la cuarentena, que será proyectado durante la 58 edición del FICX. Le siguen en votos totales XJV-410 y Así es la vida.

Rodando en… donde puedas pretender visibilizar y potenciar el trabajo de los y las jóvenes artistas. Han participado jóvenes y colectivos de entre 16 y 35 años de toda España. En la convocatoria han colaborado el FICX, el Conseyu de la Mocedá del Principau d’Asturies (CMPA) y la Concejalía de Cultura de Gijón/Xixón. 

La edición 58 del Festival Internacional de Cine de Xixón (FICX), que se celebrará entre el 20 y el 28 de noviembre, consolida este año su apuesta por el cine independiente, el descubrimiento de nuevas autorías, la muestra competitiva de obras sin distribución comercial y el estreno en España de filmes de una nueva generación de cineastas iberoamericanos.

El dardo en la mirada

La imagen gráfica de esta edición del festival, desarrollada por el diseñador gijonés Marco Recuero, condensa los principios programáticos del festival, lanzando “el dardo en la mirada”, femenina, punzante y diversa. Una imagen  colorida de luces intensas, tan viva como el cine independiente, Xixón y Asturias, una ciudad y una región que apuestan por la #CulturaSegura. 

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Nuevas secciones

Una de las principales novedades del Festival Internacional de Cine de Gijón es que la sección oficial agrupa las obras en tres categorías: Retueyos, (brotes en llingua asturiana) que presentará primeros, segundos o terceros largometrajes de mirada heterogénea y exploración formal; Albar, (madera noble y resistente en llingua asturiana) que acompaña en su viaje cinematográfico a quienes han contribuido a conformar la identidad del festival a lo largo de los años; y, Tierres en Trance, que nace este año con la vocación de convertirse en pantalla para un cine iberoamericano siempre comprometido con sus combates. 

Un premio para apoyar la distribución de filmes independientes

Las tres secciones cuentan con la misma dotación económica. Se otorgará un premio de 10.000 euros a la obra ganadora de cada una y el festival añade el Premio a la Distribución, con otros 3.000 euros para la distribuidora que adquiera los derechos de la película que seleccione el jurado. 

Primer adelanto de programación

Como primer adelanto de programación, el festival anuncia seis películas. 

En la sección Tierres en Trance competirán, entre otras, la brasileña Breve Miragem de Sol, de Eryk Rocha, que muestra un viaje que penetra en la sociedad carioca a través de los ojos de un taxista del turno de noche que aúna humor, empatía y crítica social, y la venezolana La fortaleza, del director Jorge Thielen, que refleja cómo el país sudamericano se construye sobre una historia convulsa. De la misma forma, el propio director se busca a sí mismo de regreso a lugares que pertenecieron a su memoria. 

En la sección Retueyos, la directora catalana Meritxell Colell (Con el viento) estrenará Transoceánicas, trabajo codirigido con la cineasta argentina Lucía Vassallo. Un proyecto que se establece en la intersección entre el texto escrito y la imagen y que surge de la necesidad de ambas de reconectar con Barcelona y Buenos Aires. La película se forma a través de las cartas, correos electrónicos y sesiones de Skype que las comunican a lo largo de cuatro años. Una correspondencia en la que viajan del pasado al presente, repasando las memorias y la actualidad de los momentos, las casas y las ciudades vividas. 

Por otra parte se encuentra el estreno en España Entre perro y lobo, una película hispano-cubana estrenada en la Berlinale de la cineasta ceutí Irene Gutiérrez, que fluye entre la ficción y el documental, la memoria de guerras empatadas e ideales siempre a debate. Un ejercicio de paso del tiempo y luz que no dejará a nadie indiferente. Una canción imposible de olvidar. Una Cuba siempre viva. Cierta nostalgia que, en el caso de la isla, siempre puede interpretarse como provocación. 

Asturias vuelve a estar representada en secciones competitivas por cuarto año consecutivo con obras de gran calidad. En Albar, caminando sobre  el espíritu de un cine audaz, necesario, que llega tarde y precisamente por eso adquiere el valor de las películas filmadas con sentido del deber, Ramón Lluís Bande estrenará Vaca mugiendo entre ruinas, un recorrido físico desde el Mazucu hasta la Plaza del Parchís en Gijón, y temporal, el de los meses que una Asturias sitiada resistió bajo el gobierno del Consejo Soberano de Asturias y León, presidido por Belarmino Tomás. El documental muestra un Gijón derrotado pero que se exilia con la dignidad de impedir, como uno de sus últimos gestos, que se produzca un baño de sangre antes de la caída de la ciudad en manos de las tropas franquistas. 

Shirley, un biopic dirigido por la estadounidense Josephine Decker, es un ejercicio formal soberbio que recoge un momento concreto en la vida de la escritora Shirley Jackson, autora de La maldición de Hill House. Fue Premio Especial del Jurado en la pasada edición del Festival de Sundance. Se trata de una investigación, feminista, de la amistad dislocada, depresiva, agorafóbica, entre dos mujeres protagonizada por la actriz Elizabeth Moss, que saltó a la fama tras su papel en Mad Men.  

Isabella, mención especial en Berlín, forma parte de la serie de adaptaciones de obras de William Shakespeare que el argentino Matías Piñeiro lleva más de una década filmando. Se trata de una sátira sexual vanguardista con espléndidas actrices. Una interpretación libre de la pieza teatral Medida por medida construida a partir del casting al que la protagonista se somete y las inseguridades que le provoca. 

Focos en la obra de dos directoras iberoamericanas

En colaboración con la Oficina de políticas de Igualdad del Ayuntamiento de Gijón, el festival ha organizado dos focos que pondrán atención sobre la obra de dos realizadoras iberoamericanas, la portuguesa Leonor Teles y la argentina Ana Katz. 

Leonor Teles,  jovencísima, nació en Vila Franca de Xira, Portugal, en 1992 y se inició en el cine a través de una búsqueda documental sobre los lugares e imágenes de sus orígenes familiares en Balada de un batracio (2016). Una rana de cerámica y cierto humor le permitieron encontrarse y reflexionar sobre su identidad y el papel de la comunidad romaní en Portugal. Además, con ese cortometraje ganó, a los 24 años, el Oso de Oro al Mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2016. Ya en 2013, con su primer cortometraje Rhoma Acan, fue premiada en el festival IndieLisboa.

Con el largometraje Terra Franca (2018) filmado entre la tierra y el mar, que en su cine no son necesariamente elementos separados sino partes de un mismo todo, plantea preguntas reconocibles desde la cotidianeidad de la vida de un pescador. ¿Qué sucede cuando se nos separa de una parte de nosotras, de nuestros recorridos y nuestra memoria? Sus respuestas nunca son obvias, ni siquiera aparecen en equilibro. ¿Sabemos dónde queremos estar? ¿Hacia quién vamos? ¿Quiénes seremos?  

Teles, presente en su cine, cercana y sin pudor sobre su propia mirada, se introduce en la filmación sin vergüenza alguna, muy consciente de la imagen como un lenguaje en construcción destinado a la intimidad, el encuentro, el conocerse y el cuidarse. Para ella, la forma del cine está al servicio de la comunidad. A cada comunidad, por tanto, le corresponde un camino formal diferente.

La directora argentina Ana Katz, nacida en Buenos Aires en 1975, cree que la mujer provee de lenguajes que no aparecían en determinados espacios cinematográficos con el peso que merecen. Como un enfoque en el que la diferencia de clase y generaciones tiene especial importancia en la vida de mujeres que trabajan para que el mundo no siga igual. Para Katz, si el cine viene de leyes patriarcales, hay que desarmarlo. Si un rodaje es rígido, el cine – y el suyo lo hace- debe retar los espacios de seguridad de lo establecido; de lo creativo y de lo productivo. En palabras de la cineasta: “la mujer no es la madre ni la hermana. No es la novia buena o la mala. Recorre todo registro”.  

Katz ha elegido, en todo caso, una relación con la comedia y la familia. Su ópera prima, El juego de la silla, filmada en su casa en 2002 con una cámara prestada y bastante improvisación recogió un buen puñado de premios internacionales. Como sucedió con Mi amiga del parque (2017) reconocida con el premio del público al mejor guión en el Festival de Sundance. Son películas, las dos, que giran en torno al hijo. O en torno a la relación de la madre con el hijo y alrededores. 

Katz es también la protagonista de la comedia romántica Kiki, de Paco León, Una novia errante, Los Marziano o Sueño Florianópolis.

Exposición de Alberto Vázquez

Entre las actividades complementarias, que continuarán anunciándose en las próximas semanas, se incluye una exposición organizada por el FICX en colaboración con la Fundación Municipal de Cultura y Universidad Popular de Gijón/Xixón (FMCyUP) dedicada al artista coruñés Alberto Vázquez, uno de los ilustradores y animadores más reconocidos de España, que ha consolidado un mundo muy reconocible con un diseño de personajes soberbio. Como director de animación sus trabajos han ganado tres Premios Goya: Mejor cortometraje de animación en 2012 por Birdboy y por partida doble en 2017, ganando los premios a Mejor película de animación por Psiconautas y Mejor cortometraje de animación por Decorado.